有朋友吐槽说，听别人介绍音箱喇叭的材质时感觉自己像傻子似的，一脸懵逼。记得刚刚接触音响时，我也是云里雾里的，觉得很有必要科普一下喇叭的小知识。
在喇叭一百多年的发展历史里，材质选择、工艺流传以及结构形式等方面一直都在改变不同的材质和质素造就不同的声音特性，也有各自的优势和不足。目前，市面上流行的扬声器振膜材质有纸盆、塑胶、金属以及合成纤维四种。
这种振膜的声音特性平滑自然，少有个性鲜明的刺激部分，符合大多数人的口味。纸盆振膜由于内部纤维的相互交织，可以很快吸收掉传输过程中的声音能量，因此阻尼特性比较理想。另外，纸盆还具有质量轻、能量转化效率较高等优点。缺点就是纸盆对温度和湿度比较敏感，受环境的影响明显，承受过数次极端环境变化后可能产生不可复原的形变。不过，随着技术的进步，纸盆的防水性能会越来越好。
又叫PP音盆，一般由聚丙烯材料制成，也是常见的振膜材质，它的防潮防水效果胜出纸盆振膜许多，不过也会受到轻微影响。PP音盆同样具有出色的阻尼特性，听感柔顺自然，只是刚性相对一般，表现高频容易产生失真。
由于是合唱材料，PP音盆便于后期改良，比如在现有基础上，可以通过添加其他材料克服某种不足来达到比较理想的状态。
合成纤维振膜的材质是从航空军用材料移植过来，质量轻盈，拥有很高的强度和刚性，具有其他各种材质振膜的特性，就是制造成本偏高，一般见于高级扬声器中。合成纤维振膜的阻尼特性仍需加强，可以通过目前夹层或涂膜等方式处理实现。
除了以上四种振膜，另外还有石墨纤维、玻璃纤维、碳纤维、电木等材质的喇叭振膜，但是应用不多，很少见于市场。
来自网络
本文转自公众号丨中国音响网
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扬声器的箱体清洁完成，扬声器的丝质软半球高音单体该如何清洁？方法其实很简单：用气吹轻轻吹一吹。
在清理之前，首先需要再次提醒的是：千！万！不！要！触碰丝质软半球高音单体。丝质软半球高音单体异常脆弱，在进行清洁工作时，你可能忍不住想用吸尘器或除尘布清洁扬声器，这样做非常危险，极有可能弄巧成拙，损坏扬声器。
那么，你应当如何清洁凹陷的软半球高音单体？丹拿的客户经理给出了专业的指导意见：如果扬声器在播放音乐时，如果有灰尘散落在高音单元上，你可以置之不理。但如果你确实不喜欢高音单体元沾上灰尘，最佳方式是用气吹轻轻吹一吹。软半球高音单体上的细微灰尘，其实对音质几乎没有影响。尽管采用吹的方式听上去很奇怪，但这是迄今为止最安全的清洁方法。
与丝质软半球高音单体相比，中音和低音单体更为皮实。你可以使用干燥的超细柔软纤维布进行清洁。如果低音单体沾上了更为顽固的污渍，你还可用充分拧干的湿布进行清除，然后再用干布轻轻擦拭，这样就能顺利完成清洁。
看完以上专业的介绍后，你是不是对于扬声器的维护有了新的理解？的确，扬声器的清洁并不是一件简单的事情，需要用户付出相当的细心和耐心，并根据各类扬声器单体的不同特性选择正确的方法进行操作。在日常生活中，用户也需要注意保护扬声器免受意外伤害，这样才能让扬声器以最好的状态为我们播放最美的旋律。
木里XDIOR
推开世界的门
某次音响展中，喇叭设计师AndrewJones在TAD展房讲了一个发人深省的实验:瑞典的某个音响聚会请来了几位音乐家演出，两位录音师以完全相同的麦克风对这些音乐演出进行录音。其中A录音师使用五支麦克风，对乐器做近距离麦克风收音，用计算机进行收录。演出完毕后，他把档案带回录音室进行编辑与混音。B录音师则走最简单的路线:以两支麦克风在较远的距离，不做任何混音，直接进到模拟盘带录音机收录，马上在旁边的音响室进行聆听。
现场不能作为标准
一样的演出、一样的音响设备，所以两种收录听起来应该很接近啰完全相反，这两个录音听起来就像是两个不同的演出，而且，两者听起来都跟刚刚进行的现场音乐演...
一样的演出、一样的音响设备，所以两种收录听起来应该很接近啰完全相反，这两个录音听起来就像是两个不同的演出，而且，两者听起来都跟刚刚进行的现场音乐演出不同。AndrewJones马上播放了近距离麦克风，以及计算机编辑混音的版本;的确，那听起来一点都不会让人想到是在舞台上的现场演出。
对于那些认为音响系统就是要重现现场的音响迷来说，这无疑是个噩耗。如果连参与现场的人，都不觉得两位一流录音师收录的声音像是现场;如果两个一流录音师针对同一个演出收录的声音，听起来都如此截然不同;那么，音响的标准到底在哪里AndrewJones的看法是:标准只有录音师才知道，因此像TAD这般，与录音师合作密切的音响厂商，才能知道什么是真正的标准，进而做出最接近标准的真实声音。
卡拉扬也大量更动录音平衡
但我觉得事情不只是这么单纯。录音师百百种，大多数的录音师并不使用Hi-End音响作为鉴听的工具。那么，是否我们都去买录音师的音响器材，就会有最接近标准的结果呢我听过不少录音室用的器材，我认为答案是否定的。某些Hi-End音响器材，的确是抱持着一个更崇高的声音目标来设计制造，也因此他们的价格极其高昂，高昂到录音工作人员都无法购入使用的程度。这些天价器材的设计者并不是录音工作者，他们又怎么会知道声音的标准在哪里呢
顶尖的录音工作者都知道，声音回放只是个幻象。他们要做的，就是让这个幻象如现场音乐般，达到感动聆听者之目的。看过卡拉扬的纪录片《第二人生》(TheSecondLife)，片中清楚记录他擅自更动各个声部平衡，以达到他心目中音乐该有的样子的过程。在卡拉扬后期的唱片中，唱片可说是他的另外一种演出，经由混音器的调整，卡拉扬让唱片聆听者达到如同聆听现场音乐般的感动。你说这是错误的后制干预吗但是我们在现场时，眼睛与耳朵同时作用，会让我们脑中自动去接收、强调某些乐器的声音。在家中聆听唱片时，由于缺乏了视觉上的强调，因此用混音器适度地强调某些乐器的声音强度，就更能让聆听者感受到如现场聆赏音乐般的感动。
也有不少乐评家批评卡拉扬这般制作唱片，根本就有作弊之嫌。但是，卡老的唱片横扫市场，一般忠实收录的管弦乐唱片都难达到这般成就，是否也证明了适度的后制调整，反而更能让大家领略音乐的神妙之处呢
标准存在于所有唱片内
至于什么是标准我认为标准就像老子口中的道。「道可道，非常道」，标准就像道，道存在于万物之间，而音响的标准就存在于每张唱片之间，若是标准可以很容易的被领略出来，那音响之路就不会这么崎岖，让许多人深受其苦了。
我自己的心得是:音响的标准，就在于音乐的演绎。要知道，除了音响界流行的发烧唱片外，任何唱片之所以会被发行只有一个原因，那就是因为制作团队觉得这个演出实在是非常棒，听了会让人产生音乐上的心领神会。换句话说，如果听大部分的好音乐会觉得没有任何感动，那就代表音响偏离标准已经很遥远了。音响迷当中，不乏那些觉得高级音响只该播放发烧片来展现其音效超卓者，视一般商业音乐发行如无物，就我看来都是走火入魔。
坦白说，要坚持这个标准并不容易。发烧片有如音响毒品，其音效刺激很容易让音响迷们心跳加快血压升高，很快就沦入上瘾阶段，再也无法回到一般的唱片中。但也如同毒品，发烧片对我们的身心灵并无帮助，反而让我们远离那些真正的好音乐，感官上达成满足、心灵上永远空虚。
音效容易音乐难
相反地，一般的唱片没有刺激的音效，但却有感人的音乐。能够不靠音效刺激而单以音乐美感打动人，必定是更优秀的系统。请想想我们去音乐厅欣赏音乐演出的内容，是什么真正打动了我们是刺激的音效还是音乐的美感如果我们能被现场音乐的美感动，那么我们应该也能被音响回放的音乐之美感动，那就是「如临现场」的最高境界了。
但会不会，能够表现音乐美感的系统，在音效展现上就不如别人不会，我的经验是，音效是较简单的事情，一般音响系统多半能展现夸张的音效，但是音乐表现则需要深刻的调整才能达成。但是，在那些能够重现音乐之美的音响系统中，如果播放纯粹展示音效的唱片，我们会马上发现这些唱片中的音乐内涵之贫乏与空虚。久而久之，自然远离这些音响毒品，让音响世界只留在那些伟大音乐的美好中。
以前读过本专栏的朋友们应该知道，我曾提出「演出」才是真正的标准。能够更帮助你领略各种音乐演出高妙之处的音响系统，一定是那个「比较接近标准」的音响系统。请记得，世上没有百分之百正确的音响系统。但我们应该朝着「更能真切演绎音乐」这个目标前进，因为那个是已经被收录在唱片内，千古不变的标准。
来自muzikair
音乐史上首次出现对键盘的记载是在1404年，一首名为「恋歌诗人的规则」的诗歌中提到了击弦古钢琴（Clavichord），随后在1425年德国西北部一个叫名顿的地方，在祭坛背后的雕画中出现击弦古钢琴的图像。
后来约在1440年。在阿劳特的手稿及德国音乐家菲尔东的论著《音乐精义》里，有击弦古钢琴的结构图示和说明。
最早的击弦古钢琴（Clavichord）体型不大，属于便携式乐器，同时因为体型小，所以声音也特别小。
巴赫是第一个用十根手指演奏键盘的著名音乐家
在这之前的键盘演...
在这之前的键盘演奏家只用六根手指演奏键盘，小指和拇指是不用的！自己试了下感觉很不舒服，把拇指和小指收上来看起来就像一个人插着腰跳舞一样！
谢谢巴赫释放了小指和拇指！
巴赫用自己的作品推动了平均律的发展
可能大家对这个没什么感觉，这个我要说说，在那个时期大多数音乐家都用的是纯律。
纯律和平均律有什么区别呢？这么说吧，你知道#F和bG有什么区别吗？在平均律里是一个音高，而在纯律里#F比bG要高一点！看起来好像也没什么，高就高点吧！
一旦涉及到转调，纯律就比较麻烦，尤其是类似钢琴这样的乐器，如果说小提琴稍微移动下手指音就到位了，钢琴就只有看着了！
然而巴赫通过自己的影响力大力推广平均律，这让后来的钢琴手轻松多了，不然不敢想象为了转调钢琴会长成什么样样子。
1709年意大利乐器商人克利斯托弗利造出了第一台钢琴。
克利斯托弗利观察拨弦古钢琴和击弦古钢琴的结构特点后，做出了第一台钢琴，这里我要说说为什么钢琴的英文名叫piano，其全称为pianoforte，是将意大利语“弱”(piano)和“强”(forte)两个音乐力度术语连缀在一起构成的词。
在这之前的古钢琴在演奏中是没有强弱之分的，音色受力度影响不大，但是通过改进，钢琴有了弱强的表现形式，因此钢琴的全称是弱强琴（pianoforte），最后简化成piano！到了咱们国家呢，给他取名的人看了下结构，嗯，里面有钢框，那就叫钢琴吧！
看到这条是不是觉得有点不可思议！是的，你没看错，这起源于一个古老的故事，1729年，玛丽亚·芭芭拉公主远嫁西班牙皇太子，公主去西班牙的时候带上了自己的音乐老师！这个人就是大名鼎鼎的多梅尼科斯卡拉蒂。
多梅尼科斯卡拉蒂成为公主的音乐老师后勤勤恳恳，为公主写了500多首练习曲！是的，你没看错，是500多首练习曲，练一年都不重样的！感觉这样的老师公主应该是不会喜欢的，应该是公主的父亲强赠的……
多梅尼科斯卡拉蒂到了西班牙后通过观察当地的吉他演奏，发现了轮指这个技巧，然后搬运到了钢琴上！除此之外他还首创了刮奏，八度震音技巧……
演奏钢琴的握鸡蛋手型其实不是一个固定标准
现在有些钢琴老师会要求学生在演奏钢琴的时候要保持一个握鸡蛋手型，还会在手腕上放一个硬币，要求不能动手腕！
这个手型要求来自两百多年前的前意大利的作曲家、钢琴家克莱门蒂，那个时候音乐家主要在贵族家里演奏，为他们提供音乐伴奏，大家可能都有所耳闻，贵族对仪态这些要求是比较多的，所以要求音乐家演奏钢琴的时候不允许移动身体，以至于有了握鸡蛋放硬币的练法。
其实吧，我们要想明白手型是为了什么目的，不同的手型是为了得到不同的音色，而不是为了手型而去坚持手型，那样就没有意义了，比如让你演奏肖邦的乐曲，你说你可以不动手腕吗？
莫扎特时期的钢琴是有踏板的
有些老师认为莫扎特时期的钢琴是没有踏板的，所以演奏莫扎特的音乐不需要用踏板！其实呢，那个时期的钢琴是有踏板的，不过有点不太一样，那个时候的踏板是用膝盖来顶住的。
莫扎特是第一个摆脱贵族靠自己演奏音乐挣钱的音乐家
虽然莫扎特在那个时期的是一名伟大的音乐家，但是当时的社会地位其实是很低的，那时候的音乐人和现在音乐人的地位有着天壤之别，比如大家熟悉的海顿，在贵族家和仆人一个地位，来客人了就准备演出，没有演出的时候和仆人们同吃同住。
在那个时代玩音乐是养活不了自己的，只能依附贵族或者教会，这样的后果就是在创作中会受到很多限制，莫扎特对自己卑微的奴仆乐师地位感到极度不满，离开了贵族，选择靠音乐养活自己，后来过的穷困潦倒。
贝多芬提高了音乐家的地位
贝多芬的出现导致整个欧洲音乐家地位的改变，贝多芬是第一个跟贵族们平等对话的音乐家。
那些贝多芬和贵族们的故事大家都知道的太多，虽然现在看起来没什么特别的，要知道在那个时候能做到这一步是很不容易的，贝多芬给其他音乐家做了一个好的榜样，让音乐家们开始不用再去讨好贵族而做音乐，而是做自己想要的音乐，间接的推动了音乐的发展。
莫沄，自媒体音乐人，公众号“钢琴练习曲”作者，毕业于武汉音乐学院。为国家大剧院、琴台音乐厅、星海音乐厅撰稿；曾在武汉琴台音乐厅、武汉图书馆举办音乐讲座。
1987年，肯尼·基（KennyG）的畅销单曲“Songbird”让全球乐迷疯狂爱上萨克斯风这件乐器，他把萨克斯风在音乐领域提升到前所未有的地步。
而对于跨界管乐演奏家郭雅志来说，他的志向在唢呐。
为了让唢呐走进更多人的视野，成为音乐会上的主角，他将唢呐这件民乐器带进了《纤夫的爱》、《父老乡亲》、《好汉歌》等家喻户晓的流行乐，还透过唢呐活芯的发明，大大提升了这件乐器的功能，将唢呐吹出了国门，吹入了世界的视野，堪比民乐界的肯尼·基。
在郭雅志的世界里面，唢呐可以是这样：
或者这样：
除了唢呐外，别的中国民族乐器也...
除了唢呐外，别的中国民族乐器也一样可以这样：（请留意图中外国音乐家们专注的眼神和惊讶的表情）
还有这样：
“世界变得很开放，也变小了，我们应该用更开放的心态，把我们的民族音乐跟世界的不同音乐进行融合。”郭雅志说，世界音乐融合的时代已来到。
郭雅志，著名管乐演奏家，毕业于中央音乐学院，师从于陈家齐、胡海泉、任同祥、王高林、刘炳臣、宋立春、胡志厚、尹二文等唢呐、管子名师，精通吹奏唢呐、管子、箫、埙、笛子、巴乌、葫芦丝、少数民族土著吹筒和西洋萨克斯管等近30种吹奏乐器。
上世纪90年代，郭雅志把传统民乐和流行音乐进行结合，影响了中国流行乐坛，后在中国香港中乐团担任唢呐首席十多年，为了寻求中国传统音乐与世界音乐的融合，7年前又义无反顾地奔向美国伯克利音乐学院，追寻自己的爵士梦。
12月9日，他将携伯克利音乐学院的精英爵士音乐家们，一起在星海音乐厅举行一场融合中国、土耳其、美国等各国音乐的跨界爵士音乐会。
郭雅志从小学习唢呐，自言特别喜欢唢呐的原因是它具有中国的民族特性和民族符号。然而，唢呐要不被许多人认为是很有乡土气息的乐器，要不只能存在民族乐团中的唢呐声部，偶尔能有独奏的机会。
如何让唢呐和城市生活接轨？在上世纪90年代，郭雅志开始进行了很多尝试。
首先，他把唢呐带进了流行音乐。像脍炙人口的《纤夫的爱》、《父老乡亲》、《好汉歌》等原版录音中的唢呐，都是他录制的。在电影《一个也不能少》中，他也演奏了民乐。
后来到了中国香港中乐团，他还跟小提琴组成了二重奏，演奏一些经典的流行歌曲，如《当爱已成往事》、《九百九十九朵玫瑰》等。
在李克勤的演唱会上，他还作为嘉宾进行表演，让很少有机会接触唢呐的观众们感受到新鲜，过了一把瘾。
尽管也会用唢呐吹奏外国的歌曲，郭雅志认为唢呐的民族特色并未因表现的内容不同而被改变。他想做的事情，并非标新立异，而是寻求民族音乐的新路。
“很多人对爵士乐不了解，甚至觉得是靡靡之音，其实爵士乐只是一种形式，像民乐、古典乐一样，不理解只是因为不了解。”在郭雅志看来，好的形式，就要为我们所用，去打开民族音乐更大的、更没有界限的世界。
对话
Q：为什么想把唢呐和爵士乐结合在一起？
A：有时候我很担忧，传统音乐有可能越来越远离我们的生活。但是大部分人对流行音乐感兴趣，流行文化把世界上的东西交融在一起，跟生活很接近。流行音乐有很多元素来自爵士乐、摇滚乐，两者有许多相通点，乐器相同、有的演奏方法也一样。我认为，民族音乐要得到新生，可以通过流行音乐实现，与爵士乐融合是一个不错的方法。
Q：唢呐跟爵士乐结合的难度大吗？
在音乐演奏上也要解决一些问题。中国传统音乐的节奏四平八稳，而爵士乐有变化、有动感，所以要对传统的歌曲进行改造。在12月9日的音乐会上，我也会把一些传统的曲子如《百鸟朝凤》跟爵士乐结合在一起玩一下。这些都是很有趣的尝试。
↑唢呐活芯
装了活芯的唢呐→
Q：您怎么看爵士的即兴与民乐的结合？
A：中国的民乐本来并不缺乏即兴的特性。比如阿炳的演奏就是即兴表演，只是后人把他演奏的即兴版本固定下来，于是所有二胡演奏家演奏的都是阿炳当天表现出来的效果，完全没有学到他即兴演奏的方法。这就是我们现代民乐人所丢失的最宝贵的东西。
当然这些是有原因的，当下大部分中青年音乐家都毕业于音乐学院，学习的都是西方的音乐理论、乐谱、作曲方法，没有得到老祖宗口传心授的精华。
我们特别迫切，希望把传统音乐的自身的东西寻找回来，表现音乐家即兴发挥的能力和个性。希望民乐能够重新融入我们的生活。
签售预告
在12.9本场音乐会后，郭雅志将会在星海音乐厅大堂举行唱片签售会。郭雅志的唱片《八千里路》包括CD、蓝光HQ和黑胶唱片，当晚将在大堂乐读空间出售。如果您也有郭雅志的正版唱片，也可以一起带来哦！
爵士中国
郭雅志与美国伯克利明星爵士乐队
地点：星海音乐厅交响乐演奏大厅
VIP380/280/180/80（普通票）
本文转自公众号丨星海音乐厅
17岁的懵懂少年艾里奥每年夏天都随父母一起在意大利北方一个小镇度假，小镇的时光是懒散的，用他的话说就是等着夏天过去。每天除了读书、游泳、听音乐、弹钢琴，就是发呆，偶尔撩妹，并无他事，这样美好的时光因一个叫奥利弗的美国青年的出现打破，那天他穿一件月白衬衫，金黄色的头发在阳光下散发着绸缎般的光泽。
奥利弗作为小艾父亲的助手在他家寄居6周，他博学多才，英俊魁梧，走到哪里都光芒一片，“所有人都喜欢他”包括说这话的艾里奥。
盛夏光年，怡红快绿，少年懵懂的心事，无可言诉的情怀在意大利恬静迷人的夏天秘密的发酵。
恋爱中的人总是爱玩弄一些小把戏来试探对方的心意，奥利弗在球场上...
恋爱中的人总是爱玩弄一些小把戏来试探对方的心意，奥利弗在球场上对艾里奥身体的接触向他发出了暗示，可惜小小少年没有领会，“他僵硬得站着，假装抗拒，但内心已经翻江倒海，就像是融化了一样。”艾里奥对奥里弗的迷恋却用另一种极端的方式体现：在父母面前明确表示对他的不满，故意在他面前弹错钢琴，这些不过是为了引起他的注意，显得自己与众不同。没有人的时候把他的内裤顶到头上嗅来自他的体味，写各种小纸条揣测他的心思；奥里弗与女伴亲密跳舞时，小艾不爽的愠意，艾里奥与女友滚床单时，奥里弗明显的醋意，两个花样少年小心翼翼的彼此试探，掩饰与回避，这一切都在从水中打捞上来的雕像的手臂相握的时候和解。这些小细节、小动作每一个曾经暗恋过的人如此熟悉，仿佛说的是我们每一个人的故事。
天空蓝得如此空明，古老的小镇，安静的街道，两个少年骑车飞驰，阳光明媚，微风和煦，小小少年的心事却在持续发酵，这么美好的时光却如此折磨，因为他不晓得他的心事，终于，在一战广场上少年袒露了心事，“我懂得音乐，懂得历史，却唯独不懂得如何让你知道我喜欢你”。
奥利弗没有立即做出应答，因为他比少年更清楚这份感情没有结局，虽然他对少年的爱更甚于他，但他怕给少年带来伤害。然而，爱发生了，一切都无从控制，于是在浅塘边上的草地上，两个人紧紧的拥抱在一起，此后两个人尽情放飞，狭窄过道上的亲吻，露台上的呢喃细语。
看到受到情伤的儿子，父亲对他说：人总会心碎的，即使再小心，再小心，也会心碎的，在某个你没有想到的时刻。然而如果知道最后也没有尝试过，这种姗姗来迟的后悔比当时的心痛更加延绵不绝，没有痊愈的时刻。所以要有勇气啊。为了快速痊愈，我们从自己身上剥夺了太多东西，以致在三十岁时，感情就已经破产，每开始一段新的感情，我们能付出的就变得越少。但为了让自己不要有感觉而不去感觉，多么浪费。如何过你的一生是你自己的事情，但你要记住，上天赐予我们的心灵和身体只有一次。现在，我不羡慕痛苦本身，但我羡慕你会痛。这话不知道戳中多少人的心。
小艾蹲在火炉前，熊熊火焰忽明忽暗，先是眼中闪烁着一层薄薄的泪光，盈盈点点积蓄成珠，在眼眶中打着转，终于一滴泪夺眶而出，流过少年清秀的面颊，跌落在炉火中，然后他深深吸气，吐气，平息内心如海潮涌上沙滩般的波澜壮阔，他努力克制着，委屈、疼痛却在一瞬间决堤，倾巢而出，泪水如溪流涓涓滑落。炉火明暗处，他眸中的伤痛慢慢敛去，逐渐腾起光芒，光芒里是夏日骄阳下牵手奔跑，暖风中在街道上骑车飞驰，是在广场上双目的对视，是月光下露台的甜蜜相拥，蓊郁果园中桃杏树散发的香气，是夏夜的虫鸣，清晨的鸟啼，是石头水池里溅起的涟漪和水声，是回荡在空旷大屋子里的钢琴曲，是风摇撼枝叶的沙沙声，雨打在枝叶上的滴答声，是初见时那件月白的衬衫惊艳的夏日光阴，是金黄色头发在阳光下散发的致命眩晕。，这光芒渐渐隐去，他嘴角掠过丝丝微笑。身后忙碌的人们，杯盘叮叮轻响，妈妈轻声呼唤，他缓缓转头，窗外大雪纷飞。
那个没有心事的懵懂少年终于有了属于自己的故事，故事里一转身离开的人，却要用一辈子去忘记。
与《请以你的名字呼唤我》相比，我更喜欢《唤我汝名》。这部电影一刷的时候整个人愣住了，说不出话来，心疼到无法呼吸。此后心心念念，昼夜难忘，久久不敢动笔。
有人认为本片以同性的噱头博人眼球，我以为本片只是关于爱情----与性别无关，关乎于每一个曾经怀春的少女和曾经钟情的少男曾经遭遇过的懵懂不清，剪不断，理还乱，迷茫无助的那段叫青春的时光，以及躲藏在青春时光中始终不会褪色的记忆和不肯老去的那个人。
导演卢卡·瓜达尼诺，意大利导演、编剧，作品不多，因公开出柜而广为人知。本片先后获得第67届柏林国际电影节泰迪熊奖最佳电影提名、第72届威尼斯电影节主竞赛单元金狮奖提名、第90届奥斯卡金像奖最佳影片提名。
男主蒂莫西·柴勒梅德，昵称甜茶，95后，凭着在本片中的出色表演获得第90届奥斯卡金像奖最佳男主角提名，本片中他几乎一个人撑起一部戏，特别是电影最后5分钟的长镜头，甜茶的表演丝丝入扣，层次感丰富，经受起特写的检验，妥妥的教科书级别神表演。
奥利弗的扮演者艾米汉莫自，人称锤子，在大卫芬奇的力作《社
交网络》中一人出演双胞胎兄弟之后火速蹿红，凭借此片被芝加哥影评人协会提名最具潜力的演员，并被多伦多影评人协会评为最佳男配角。
想起席慕蓉的那首诗
——
所有的结局都已写好
所以的泪水都已启程
却忽然忘了是怎么样的一个开始在那个古老的不再回来的夏日无论我如何的去追索年轻的你只如云影掠过
而你微笑的面容极浅极淡逐渐隐没在日落后的群岚翻开那发黄的扉页命运将它装订的极为拙劣含着泪我一读再读却不得不承认青春是一本太仓促的书
图片来自影片
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老福特独家出品，春季系列新壳又上线啦ヾ(=ω=)o
治愈的喵星人，甜甜的西瓜和梨子，小清新的配色以及透明壳设计都超适合春夏！闺蜜党和cp可以一起买，限时福利，两件直接打8折∠(°ω°)／
福利>>>见文末！
1号手机壳：西瓜和猫咪...
明明已经对于吸音板、扩散板、低频陷阱这些名词不再陌生，但真要动手去搬动摆设、请师傅来施工，手上的设计图画了又画，从第一版改到不知道第几版了，却总会有一些东西不知道该摆哪里才好？哪一面墙上好像缺一块什么？就好像灵魂不知道哪里缺了一块一样。
彻底了解声音，先从物理说起
一切还是要从声音的物理说起。
声音在空气中传递，碰到物体后，会发生的行为可以粗略分成吸收和反射。也可以说，不论摆放任何物体在空...
声音在空气中传递，碰到物体后，会发生的行为可以粗略分成吸收和反射。也可以说，不论摆放任何物体在空间里，从家具到处理声音的装置，都是在利用这两个机制善加组合运用，达到最好的音场效果。
当声波碰到软物质时，不会反射回来，能量会消失在软物质里面，这样的现象叫做吸收。例如有大面窗帘、厚地毯，又摆放了很大的布沙发的客厅，声音就会被大量吸收，这时候整个客厅的音场就会比较「干」。干的音场会很清晰，但是比较缺乏力道、听觉上不够饱满。
反之，如果空间里都是硬的物质，例如水泥或磁砖的墙面、玻璃窗、木制桌椅、光滑的瓷砖地板，这样的空间就不容易吸收声音，声波碰到墙或是地板的时候很容易被反射，这样的空间就会比较「湿」，有大量的回声和残响。
最理想的音响空间，必须是清晰的干，但同时又有适量的残响湿，简单的说就是软硬适中，不能完全吸收、也不能完全反射。
为要调整出最恰当的吸音比例，除了室内家具之外，购买专业吸音板摆在正确的位置，确有其必要性。
扩散是啥玩意，好声自有大道理
知道了吸收跟反射的概念，接下来要介绍「扩散」了，这是一个奇妙的声学名词，在音响玩家中，只要提到「扩散」两个字，就几乎代表着「好声」，它到底是怎么一回事呢？
简单来说，「扩散」就是反射的一种，但它对于聆听音响来说，是更优秀的反射方式。当声音碰到一面硬墙，它会被均匀地反射回来，但若这一面墙是凹凸不平的，那声音在墙的各处被反射回来的快慢就会有所不同，这样会对原本的声波有「打散」的效果，回音就不会显得平板，而且避免驻波和共振的发生。这件事就称为「扩散」，在音响室或录音室常常会看到凹凸不平的块状墙面，就是这个道理。
如果没有预算在家里打造这样具有扩散效果的墙面，也可以买现成的「扩散板」，它就是一块表面深浅凹凸不平的结构，摆设在音响室里需要扩散的地方，就会让声音获得扩散的效果。
对于喜欢自己动手DIY的玩家、或是木工的爱好者，扩散板更是一个浪漫的玩意儿，因为它是可以自己DIY完成的，表面高低不同的每一根木柱，都是经过设计的，且很多款经典扩散板的设计图，在网络上都很容易找到。找一些好木料，找一个晴朗的星期天下午，自己动手制作一块美丽的扩散板，是人生一大乐事啊。
吸音装置名目多，相通却又不相同
吸音棉、吸音板与低频陷阱，这三样东西根本上都是属于「吸音」的装置，他们虽然是三个不同的名词，但实际上是没有明确界限的，这三样东西之间有模糊不清的暧昧地带，有时候甚至可以同时兼具其中两种或三种身份。
例如，把具有吸收低频能力的吸音板放在低频聚集过多的地方，让它发挥吸收低频的效果，就可以把这块吸音板称为「低频陷阱」。这就像是沙发拿来躺着睡，就可以说沙发是床一样的道理。同样的东西在不同的用途下，可以在概念上是不同的事物。
为什么要先解释这个呢？因为每次跟人谈及吸音棉、吸音板与低频陷阱的时候，大多数朋友最后都听得一头雾水，最后总是很疑惑地问我：「所以，这三样东西到底要怎么区分？」事实上就是不能区分的，当想把这三样东西就外观上、或就材料结构上来分类的时候，就已经走错路了。这三样东西，比较像是用「功能性」来分类的，他们可能都是很类似的材料，但是因为摆放的位置不同，密度、厚度和长宽高的不同，就可以被称为不同的名词。
吸音棉、吸音板和低频陷阱，它们可能都是海绵，或者外面包布的玻璃纤维棉或岩棉（注一）。通常整体的材料和尺寸越厚重，吸收的频率就能达到越低，吸收频率能到越低的，就越能称为「低频陷阱」。
甚至被称为「低频陷阱」的市售产品，也常常有吸收中高频的效果，摆在低频不多的位置上，它就只是一块吸音板而已。说来说去，就物理上来说，这三样东西做的事情都是一样的，就是吸音。
吸音专业不专业，想法最有大差别
口语上常说的「吸音棉」，一般指的是乐团的练团室里贴满墙壁的那种黑色吸音海绵，它的功能比较像是利用吸音的方式，来减低乐团练习的音量，重点是不要吵到人，免得遭来邻居抗议。这种吸音棉通常很便宜，跟音响玩家在音响专门店购买的吸音板，有很大的价格差异。
看到这里，读者可能会问：「如果我去音响店里买吸音板，摆在乐团的练团室，它是否有减低音量避免吵到邻居的效果呢？」答案是有的，但这样做成本太高了，昂贵的吸音板要贴满整间房间，是一件非常奢侈的事情。简单的说，吸音板通常指的是「专业的声学装置」，为了调整空间的音场，而必须「有技巧的」去摆在正确位置的高级玩意儿。而吸音棉呢，通常指的是「廉价的降噪海绵」。
更深入来说，它们可能都同样是海绵所制成，但它们价格的差异在于，吸音板的尺寸和厚度、海绵的密度，是经过声学专家设计过的，专门针对大部份室内音响空间和频率的先天不良，来作改善的用途，它通常会告诉消费者它能吸收的频率范围，低频到多低，高频到多高，专业的吸音板，通常会附上这个产品对于不同频率的吸收能力的图表数据。而且同一家公司，可能会出产多款不同尺寸、不同厚度与密度、甚至不同造型的吸音板，针对各种不同的空间声学问题对症下药。
而吸音棉呢？是没得选的，市售的吸音棉大多是差不多的东西，只要有吸音的效果不要吵到邻居就可以了，不需要太讲究的。事实上，如果你的练团室的墙壁不是实心的砖墙，那即使把吸音棉贴满整间房间，练团还是很容易吵到邻居的。别忘了上一期有提过，吸音棉不是隔音棉，它没有隔音效果，世界上没有隔音棉这种东西。
此外，在这里也要提醒读者，如果希望打造一间真正好声的音响室，千万不要把吸音棉贴满整间房间，这种完全不经思考的处理方式是不可能有什么好音场的。
但若是哪天碰到一个专家，跟你说房间里的哪个角落需要放置「吸音棉」，请不要跟他辩驳，说在这本杂志上看到笔者说吸音棉是不专业的东西。他都已经告诉你在哪个角落要怎么处理了，这是行家的想法，他口中讲的吸音棉，其实就是指专业的吸音板，当然不是乐团练团室的那种黑色吸音棉啰。
同样一块海绵或玻璃纤维棉，它来到这世界上，可能因为命运的不同，而有不同的归属，最后到底成为了吸音棉、吸音板还是低频陷阱，端看使用者怎么用及会不会用了。
夹缝中思考，低频最难明了
不管是音响玩家或是制作音乐的录音师、混音师，都不会小看低频这回事，低频的频率分布和量感，始终是一个复杂且极难对付的课题。一个音响空间里低频的处理，往往是能不能获得好音场的决定性关键。
相信很多读者都或多或少听过这个说法：「中高频有方向性，低频没有方向性。」其实这一切都跟「绕射」这个物理现象有关。
当水波经过一道「宽门」的时候，它会直直地往前行进；但是当它经过的是一道「窄门」的时候，宅门会变成一个新的「源头」，让整个水波呈圆形往四面八方扩散开来（如下图）。这种波动经过狭缝而扩散开来的物理现象，称为「绕射」。当狭缝窄到会让波动绕射的时候，原本直线前进的波就不会再是直线前进了，它会往四面八方散开。
这个「宽」跟「窄」的差别，大致上以水波的「波长」为基准。如果门窄到跟水波的波长差不多，那这道门就可以说它是窄的，在物理上称为「狭缝」。如果门很宽，远远比水波的波长还要宽，那这道门就是宽的，就不是物理上所谓的「狭缝」。
了解了这个概念，试着来换算一下低频的波长，会发现频率100Hz的声波，波长算出来竟然是3.4公尺！（注二）是的，3.4公尺，比大多数人家里的一层楼还要高，这么长的长度，声音才来回振动了一次。如果是50Hz的声波，波长就是刚刚的两倍，长达6.8公尺了。
到这里，您是不是已经发现了什么呢？
是的，对于一般的建筑，任何人家里的空间格局，或任何居家室内空间，对于100Hz以下的低频来说，都是狭缝！居家空间里的任两道墙，对于低频声波来说，都是相当窄的窄门，就算是很大的客厅，天花板和地板之间，对低频来说依然都是狭缝。因此当喇叭发出低频的时候，在室内空间几乎都会往四面八方散开。即使在室外的大型演唱会，喇叭距离地面也很难高达数十公尺，因此低频永远都会有绕射的现象。
这种没有方向性四处乱窜的低频，根本上无可避免，会造成聆听时音场的混乱，让整个听觉上变得「轰」。特别是在两面墙之间的直角处，很容易形成低频堆积。而两面平行的墙面、或是天花板和地板，都正好会成为低频的共振腔，让某个频率一直在中间嗡嗡作响。（注三）
到底吸音板、扩散板和低频陷阱这些装置该如何摆设，才能解决恼人的低频问题以及平行墙面造成的驻波呢？抓准六大观念，你也可以在家轻松摆设出定位清晰、干湿适中的好音场，让我们从喇叭开始说起吧。
喇叭聆听贵宾席，摆位自有大道理
一般还不懂音响空间的人，大多数会将喇叭靠墙放，这不是一个好的方式。喇叭的背面应该和墙面保持一段距离，通常在1到2公尺之间，视不同的喇叭设计而有不同的摆放距离。以一般大小的房间来说，喇叭和后墙的距离，聆听位置和喇叭之间，各为房间长度的1/3，是一般认为最理想的比例。
通常会让喇叭发出的声音水平地打向聆听者的耳朵，因此喇叭的高度和聆听者的耳朵大约在相同高度，以此类推，不管是吸音板或是扩散板，也应该以坐着聆听时的人耳高度为最主要区域，如上图。
但实际的情况并不这么单纯，视不同的器材、不同的需求和室内空间的分配，还是会有很多不同的摆设方式。
喇叭后墙是重点，低频陷阱不能缺
喇叭背后的墙面，是一个关键的地方。
大致上的观念是这样的，因为喇叭会将声音往前打，但低频因为没有方向性，所以越低的频率在喇叭的背后会越累积越多，如果喇叭背后刚好是呈直角的墙角的话，状况则会更严重，也因此喇叭的后墙是需要将低频做吸音的，不吸音会让整个音场显得太轰而失去清晰度。
然而，我们也很需要让喇叭后墙具有反射能力，将声音往前反弹到聆听者的耳朵，这样喇叭听起来才会结实有力，不至于软趴趴。又要吸音、又要反射，这样的要求，就让喇叭后墙的处理陷入两难的局面了。一般的做法是：将吸收低频的装置摆设在「关键位置」上，其它的地方留着做反射用途。最常见的就是在后墙和左右侧墙的两处直角，摆上大型的低频陷阱，这两个巨大的吸音装置可以解决掉这间音响室里最多恼人的低频。
也可以将低频陷阱摆在后墙两个直角处的人耳高度附近，但上面碰到天花板的两个「三面直角」处，另外吊挂较小的低频陷阱。而两个喇叭中间的那一块墙面，可以摆上一面扩散板来反射声音，让喇叭听起来更结实有力。
找到第一反射点，关键时刻不妥协
室内音响空间的摆放，一般都建议第一反射点一定要做吸音。
第一反射点是什么呢？第一反射点就是喇叭到墙面、墙面到聆听者的耳朵之间，画出声音的反射路径后，声波在墙上反射的那附近区域（如下图）。在左右侧墙面的第一反射点装置吸音板，让喇叭发出来的声音不受到来自两侧墙的反射音干扰，音像定位就会清晰。
同样的道理，喇叭发出的声音也会打到天花板，再从天花板反射回到我们的耳朵里，这个天花板上的第一反射点，也是必须要吊挂吸音板的区域。
左右墙面要对称，定位清晰最透彻
一对喇叭的摆放位置，最好距离房间的左右侧墙是一样的距离，而且两边的墙面最好是尽量对称的形状和接近的材质，如果左右墙面不对称，来自两侧墙的反射音，很容易造成聆听音乐的干扰，会让听到的声音变得跟原本唱片里要传达的不一样，最明显的就是乐器的摆位很容易歪掉，原本应该在中间的乐器变得偏左或偏右。
如果因为房间的格局，喇叭的左右侧真的有无法对称的情况，例如有一边就刚好是一道门，那音像定位就很容易混淆不清，这时候在两侧相同距离的第一反射点，摆上一模一样的吸音板做吸音，会比较改善。
沙发后墙不放过，听感加深好开阔
一般来说，让喇叭打向聆听位置，这位置通常都是沙发区，建议沙发不要完全靠着后面的墙放置，中间要留1到2公尺的空间出来，在聆听位置（沙发）后面的墙上人耳高度附近，可以装置扩散板，让喇叭过来的声音被后墙反射时，是经过扩散以后的声音，这个做法可以加深音场的深度，让整个听感上产生房间变大的错觉。
天地之间别忘记，平衡听感有道理
天花板和地板，如果不处理，房间的六个面，就会有两面是硬的材质，这样会让整个空间内反射的比例占得太高。而且别忘了，天花板与地板之间是巨大的平行面，会造成某个低频的驻波，没有处理好就很容易有一处低频过多，室内会变得很轰。
因此必须在天地之间摆上一些吸音或扩散装置，一般来说最简单的想法是铺地毯，至少在地面会有吸音的效果。但要注意的是，地毯的吸音频率通常都在中高频，无法延伸到低频，这样依然不能解决平行面之间的驻波造成低频过多的问题（注三）。最好的解决方式，还是要将大型的低频陷阱吊挂在天花板上，一方面破坏原本平板的形状，一方面吸收低频，吊挂的位置要视室内的音场分布而定，原则上以低频聚集最多的地方为主。
另外，也有在天花板吊挂扩散板的做法，但要注意的是扩散板一般是木头制成，重量都很重，吊挂在天花板如果不够牢固，是相当危险的，有人会因此使用保丽龙制的扩散板代替，但保丽龙制品不管是外观或声音上，都不如木制扩散板，因此也有人设计出重量较轻的木制扩散板，通常是格子状的，但依然有一定的重量，在施工时一定要请专业的工程人员，才能确保安全性。
了解声音的物理之后，一路解析实际的音响空间调整，你决定好要动手进行住宅大改造了吗？
注一：如果吸音板的材料是玻璃纤维棉或岩棉，通常外头都会包布，免得细小的纤维溢出，这些长纤维吸入肺里会造成呼吸道的伤害，钻进皮肤里会造成红肿发痒。所以在音响室看到包布的吸音板，千万要小心不要刺破了。
注二：物理公式「声速=频率x波长」，空气中的声速340m/s，频率为100Hz，代入可得波长为340/100=3.4公尺。
注三：楼高造成的驻波属于低频。以一般楼高两米半来说，在天花板和地板为半波长（天地视为两个节点），波长就是5公尺了，代入物理公式「声速=频率x波长」，两米半楼高的共振频率为340/5=68赫兹，68、136、272……等等两倍频、四倍频以上都会有共振而过多的现象。
文丨阿卖
本名张涵盈。身份多重，大致上来说是个创作歌手、音乐制作人与业余的室内设计师。
世界音乐/Worldmusic，广义上泛指世界上所有的民族音乐；狭义即指民族音乐、传统音乐与流行音乐相融汇结合的音乐类型，又称民族流行音乐（Ethnopop）。
而“历史上首次以古朴唢吶、管子对话全美首座巨大管风琴”的《八千里路》音乐专辑正是这种操作！
摄影：小叶·不会修图
尽管，常说贫穷限制了想象力，但这音乐上的奇思妙想，却不是什么土豪劣绅有钱便能染指的，唯有贫乏的心才会限制了想象力！
似乎越来越明晰了，自《藏密》《黑白风景》《琴迷歌剧夜》《月儿弯弯照九州》《城市的十二个花园》瑞鸣对于世界音乐的探索从未停止，这或...
似乎越来越明晰了，自《藏密》《黑白风景》《琴迷歌剧夜》《月儿弯弯照九州》《城市的十二个花园》瑞鸣对于世界音乐的探索从未停止，这或者可以看作是那个用《琴》《伶歌》《虞美人》《粉墨是梦》打造深具传统民族特色音乐王国的多维搭建。
更多的维度意味着拥有更多的可能。
《八千里路》专辑主要集结了三种不同地域及时空维度的古老乐器：唢吶、管子和管风琴，当然还有来自中国、以色列、希腊、土耳其、美国五个国家独特乐器襄助，包括乌德琴，箱鼓，吉他，古筝，笙，笛子，四弦吉他，美洲土著笛等乐器跨越千年岁月不远万里聚集在梅休因纪念音乐厅（MethuenMemorialMusicHall），看似完全没有交集的东西方乐器，竟同台协作搭配，是机缘巧合，还是冥冥中注定？
图片来自公众号羽音乐赏
公元3世纪，唢呐由波斯、阿拉伯一带传入中国。在金、元时期，传到中国中原地区，在明代古籍中始有唢呐的记载。
明代王磐的《朝天子·咏喇叭》则是唢呐最真实的写照：
喇叭，唢呐，曲儿小，腔儿大。
官船来往乱如麻，全仗你抬身价。
军听了军愁，民听了民怕，哪里去辨什么真共假？
眼见得吹翻了这家，吹伤了那家，只吹得水尽鹅飞罢。
与唢呐有着几近相同的传播轨迹，作为吹管乐器的管子，一样源于古代波斯，在两千多年前的西汉时期，管子传入西域成为中国新疆一带通用的乐器，曾被称为"筚篥"或"芦管"。后传入中原，经过变化发展，它的演奏技艺得到了不断丰富和发展。现在，管子广泛地流行于中国民间，成为北方人民喜爱的常用乐器。
专辑录音地点选在美国波士顿北部小城镇梅休因（Methuen）的梅休因纪念音乐厅（MethuenMemorialMusicHall），也是颇具深意，只为那1863年，由德国瓦尔克公司（E.F.WalckerCompany）为美国打造的全美第一台专业演奏级管风琴，那堪称国宝级的“古董”早已化身为传奇，其庞大身形由6088根音管及84支音栓组成，蔚为壮观，现能奏响的每一个音符都弥足珍贵。
随着极具苍茫历史感的中外乐器珠联璧合，气势恢弘的乐思畅想正逐渐显现轮廓，如今尚未聆听已心生崇敬向往，而那扇神秘的世界音乐殿堂之门也由此缓缓打开。
至此，专辑取名“八千里路”的寓意已逐渐明了，其固然有千里迢迢奔波劳顿之寄予，却更带一层跨越千年历史的丰韧与厚重。
然，八千里路音乐构建之奇思壮采才刚刚开始！
专辑时长61分06秒，共选曲12首，收录国外歌谣9首，国内民谣3首，题材涉略广泛而丰富，国外歌谣既有传统名曲如“奇异恩典”“晴空中的云雀”等，也有“葡萄干和杏仁”“一起跳舞”“印第安往事”等乡间小调，国内民谣分别是“兰花花”“东北小调”和“送亲歌”，看曲名似有浓郁乡土气息迎面而来，却在不经意间成就“越是世界的，就越是民族的”终极奥义。
01.情迷土耳其
02.奇异恩典
03.葡萄干和杏仁
04.兰花花
05.醉在他乡
06.东北小调
07.晴空中的云雀
08.一起跳舞
09.印第安往事
10.送亲歌
11.蜜色罗
12.仙纳朵
专辑最令人称奇的是所有曲目的吹奏部分都是由郭雅志完成，可谓一个人撑起演奏部分的半壁江山。
郭雅志何许人也？
著名管乐演奏家，毕业于中央音乐学院，师从于陈家齐、胡海泉、宋立春等唢呐、管子名师。精通吹奏唢呐、管子、箫、埙、笛子、巴乌、葫芦丝、少数民族土著吹筒和西洋萨克斯管等近三十种吹奏乐器。1998年历史性荣获美国纽约ProMusicians国际大赛中唯一大奖；1999年任香港中乐团唢呐首席；2012年赴美在波士顿伯克利音乐学院深造爵士乐，演奏足迹遍及美国、德国、丹麦、澳洲、日本等数十个国家和地区，有“天下唢呐第一吹”、“国乐骄子”、“国际管乐大师”等美誉，正是他使得如今日渐式微的唢呐大放异彩。
首曲“情迷土耳其”便极具创想，以充满异域风情的乌德琴声作为铺垫，如电影叙事般缓缓拉近的镜头，穿过历史的天空，已然置身于风情万种的伊斯坦布尔集市，当第十秒唢呐吹出熟悉又陌生的声线破空而来，一时竟无法招架，这与印象中的那个热闹喧嚣甚至稍显张狂的唢呐完全不同，矜持内敛却配合得体，毫无违和，在初步的开场介绍之后，当1分53秒牛筋BASS交织着箱鼓敲击的节奏跟上，不禁恍然大悟，原来这曲风还暗藏爵士乐的编排操作，实在令人大感意外，箱鼓的敲击回响已然勾勒出梅休因纪念音乐厅旷阔的空间，音场搭建自是极好，在唢呐奏出主旋律之后一段由乌德琴对话箱鼓的即兴演绎深具爵士乐精髓，简直堪称全曲精华，异常出彩，最后再由唢呐重拾主题三次重复之后逐渐将全曲引向高潮，并在炽热处嘎然而止，别出心裁的编排令人欲罢不能回味无穷。
八千里路专辑内页
在初次领略专辑中唢呐异乎寻常的表现力之后，不禁对第二首“奇异恩典”十分期待，那原本出自苏格兰的基督福音歌谣，又该如何演绎？
但耳畔却分明传来葫芦丝的声音，悠悠曲调竟然同苏格兰风笛音色高度契合，如果你对葫芦丝的印象还仅仅停留在描绘“月光下的凤尾竹”，那么“奇异恩典”中的演绎则完全打破葫芦丝长久以来局限于表现云南风情民谣的地域属性，而这仅仅只是开始，因为1分05秒管风琴首次登场，尽管只是辅助伴奏却是内力暗涌深阔宏远，那婉如喷薄而出的低频，凝结成墙由远至近贴地而来，庄重肃穆之感油然而生，正当感怀这份崇敬时，忽闻唢呐高亢嘹亮之声拔地而起，画风旋即为之一变，整体曲境由此变得激越起来，气势磅礴的管风琴，似为这感恩与赞美更添一份自豪和振奋，一曲终毕荡气回肠。
管风琴有着强悍的低频和超低频表现力，声浪排山倒海给人以极大的震撼，也成为评判音响系统优劣的试金石。除了第二首“奇异恩典”还有第12首“仙纳朵”也采用了管风琴配乐，成为专辑中两首仅有的绝响。
余秋雨曾说过：人的生命格局一大，就不会在琐碎妆饰上沉陷。真正自信的人，总能够简单得铿锵有力。
郭雅志的吹奏在拥有高超技巧的同时，更多地融入了人文思辨与探索创新，闻之有豁然开朗之感。纵观整张专辑，并非所有选曲都采用两种或两种以上乐器编排演奏，第六首“东北小调”和第九首“印第安往事”分别采用东北大唢呐和美洲土著笛单个乐器演绎，一气呵成表现抢眼。
尤其“东北小调”里唢呐表现力之丰富令人大开眼界，虽名为小调，却吹奏出大格局，全曲以柔缓开篇如泣如诉相当悲戚，引得心绪一片萧瑟，有黯然神伤之感，行曲过半开始节奏渐快，似开启高能，那吹奏时上下翻飞，摇头晃脑的形态跃然而出，其欢快流畅同前半段凄凄惨惨形成强烈反差，在最后的音乐小节复又归于平静，感受跌宕起伏的同时也完成了一次对大师吹奏技艺的顶礼膜拜。
“印第安往事”显然是一首伤感的歌谣，非常简单的旋律，在美洲土著笛特有音色的加持下，每个音符纯粹而自然，有一种说不尽的苍茫与空旷，是对往事的追忆，还是对远古的呼唤，只是看似平静的表面之下，激流翻滚热泪盈眶，颇具陈子昂“念天地之悠悠，独怆然而涕下！”的悲悯情怀，只是最终呈现的意境之美，早已化作专辑中深刻而独特的存在。
聆听八千里路音乐专辑，最令人难以忘怀的，不是那些古老的乐器本身，而是通过不同搭配和不断尝试去发掘各种音乐的可能，以充满想象力的乐思意境去描绘和刻画生命的伟大与机缘的奇妙，而无论东方还是西方的音乐类型，固有的模式一旦突破，必然极具华彩震古烁今。
那么，是什么限制了你音乐思辨和欣赏的能力，令你还如此贫乏？或者，“八千里路”可以给出足够令人信服的答案。
北宋·范宽【雪山萧寺图】
卧游山水，听音赏雪
古人有“卧游”以欣赏山水画的意趣雅兴，今天也效仿古人做一次“卧游赏雪”。
“于是闲居理气，拂觞鸣琴，披图幽对，坐究四荒，不违天励之藂，独应无人之野……”
--宗炳《画山水序》
试想手持一卷山水画册，展卷阅读，虽足不出户，但山水秀色，尽得饱览。小编对这样的境界实在仰止。
在闲暇之时，摒除杂念，手里捧上一杯暖茶，打开音响，赏雪听音。坐看四方的山水大雪茫茫的幽远，似有梅花香气，缥缈而来。
#相爱穿梭千年2#今天的转发让肖叔叔@X玖少年团肖战DAYTOY看到了大家的热情，他说再等4天，只要4天就能见到他了。嗯，一张帅气的倒计时送上[心]大家晚安。#11.16相爱2首播#