导语：如何才能写好一篇毕业油画创作总结，这就需要搜集整理更多的资料和文献，欢迎阅读由公务员之家整理的十篇范文，供你借鉴。
一、中国民间美术概述
中国民间美术属于一种民俗文化，它常见于多姿多彩的民俗文化事象中。如巫术信仰民俗中的神像、甲马、水陆画，服饰民俗中的刺绣、香包、服饰，建筑民俗中的木雕、石刻及寺庙壁画，岁时节令民俗中的年画、剪纸、彩灯。由于生产方式和民俗民风的相对稳定，民间美术历千年而原貌不减，渗透着深厚的民俗积淀和传统色彩，其造型特点由原始艺术形式直接转化而来，并在多年集体创作、积累中得到丰富和发展。作为对当代中国油画发展的有益补充，民间美术主要表现在造型、色彩等诸视觉要素的显性形态之中。
二、油画毕业创作借鉴民间美术造型
1、主题形象展开法。
这种造型先确定主题形象，一般不强调作画前的精密设计，而是围绕主题形象发挥畅想，随着思维发展过程推出烘托主题的次要形象，它的优势在于创作时能够调动艺术家的激情，进入无拘无束的自由状态，并且保证完成的作品始终突出主题，显然，这种方法适合主题性的、现实主义的油画参考借鉴。
2、穿透造型法
民间艺术家经常凭借主观经验推断并画出那些无法直接看见但对于表达思想有用的视觉形象。这种方法可以突破表层现象的干扰，直接反映事物表象掩盖下的物象实质和客观必然，类似于“X线”穿透的理性效果。当然，它也可以产生感情战胜理性、意想代替必然的浪漫主义作品，比如，民间剪纸直接刻出母腹内躁动的胎儿用以表现母亲的伟大，民间刺绣《宝莲灯》可以看见华山压住的整个三圣母形象。毕加索的油画《镜前的少女》画出了掩藏在衣服下面的、子宫，表现女性对自我的心理、生理的审视，为我们提供了油画穿透造型法的例证。
3、时空综合造型法
4、适形造型法
三、油画毕业创作借鉴民间美术色彩
民间美术的色彩总体上是意念造型的自由理想色，往往以能激扬感官亢奋作为潜在的自然依据，带有原始的自然选择印记。“红红绿绿，图个吉利”这句流传在老百姓中间的口头禅，作为一般的民间艺诀道出了整个民间美术的色彩特征，因为没有接受够专业训练，民间美术家有时缺乏高度自觉、个性化的色彩感受，用色往往夸张刺激、鲜艳夺目。我们同样可以列出民间美术典型的用色特征，在油画创作中根据实际情况加以应用。
1、色彩的表现性
民间色彩以表现喜庆气氛为整体基调，设色讲究明度对比、补色对比、纯度对比、色彩冷暖对比以及构图、色彩面积的比例搭配，强调色彩特有的张力、刺激性，追求热闹吉利、红火喜庆、积极奋进的色彩情感表现，为了达到热烈明快的效果，总结了“红间黄，喜煞娘”、“红搭绿，一块玉”等设色口诀。董希文的油画《开国大典》透视和光影都没有严格按照按西方写实绘画法则处理，而是借鉴了民间美术的表现手法，成为中国大型历史画的经典力作，学生可以从中明白写实油画的色彩并非一味模拟自然色彩。
2、色彩的象征性
在长期的社会生活中，中国民众对色彩赋予了特殊的象征意味。我们看不到民间色彩的自然光照变化，更看不到色彩的立体感和空间感，民间色彩的变化，搭配完全依“意图”、“象征”和民间色彩习俗体系本身独有的神韵来组合，红色、黄色代表着喜庆，黑色象征着凄凉、惨淡、悲痛，色彩意义已经在中华大地上约定俗成。现代油画比较重视色彩的独立功能，产生了一大批“单色油画”。张晓刚的油画《大家庭》系列成功地借鉴了民间肖像画的色彩观念，后学之辈可在此基础上探索推进。
3、色彩的装饰性
二“视觉时代”的来临已是不争的事实
关键词：民办高校；油画教学；创新发展
如今，我国科学技术的不断进步，互联网技术运用与发展是引领时代的核心事物，油画作为数百年历史的传统画种被延续发展至今，现在它依然也是我国民办高校美术教学中重要的科目。开设的油画课程有对景或对物的写生教学，学生在不断的写生中间，也会不断提升他们自身的审美能力，积累很多有价值的素材，有益于今后的油画创作。但是当今也有很多高校，特别是综合性院校中的艺术系，对于很多油画课程的内容设置上，可以说只是在进入大学前的应试教育内容上进行的一个延续而已。所以，学校需要设法提高老师的教学水准和油画创作水平，进而提高学生写生以及创作的能力。
一、民办高校油画课程开展的意
（二）有利于学生积累创作素材民办高校油画课堂是对油画技法的学习，对美的发现，对画种的传承与发展，他也同国画外出采风一样，是对将来创作素材的积累。特别是安排的写生课堂，是面对实景实物的描绘和表现。很多瞬间的灵感，意外的画面效果，这些都被记录下来，如此以来，不但有利于学生们绘画基础的夯实，还直接对他们将来油画创作素材收集方面起到重要的作用。
二、民办高校油画教学现状和问题
（一）教学方式传统伴随时代快速向前发展，对于社会构成的方方面面都有或多或少新的要求，中国民办高校对于应用型人才的培养教学方式也一样有新的要求，如果一直沿用传统的教学方式就很难满足现行的教学需求。例如，对于抽象美的讲解，需要有一定的事物引导，调动视、听、触、味觉来慢慢体会，只是照本宣科难以吸引学生的注意力，上课效果自然不佳。还有老师的上课方式过于刻板，乏味，难以有效的激起学生们对油画学习的兴趣。作画时一定是心之所想的内容表达，是客观与主观的结合，是融入创作者的创造性思维再现，以此来进行个人的情感表达。如今，物质生活水平日新月异，对于油画艺术发展的重视程度不曾减弱反到增强，民办高校要立足办学宗旨，培养应用型人才更需要多元化的教学观念来推动传统油画的教学发展，让学生在学习中能高效的投入学习，取得成绩。
（四）师资力量薄弱当前的民办高校师资队伍偏年轻化，或是老、中、青师资团队梯队变化不明显，人才流动性大。很多高校的油画专业教师都是刚从艺术院校毕业不久的青年硕士或博士，自己还处于学生状态，教学经验缺乏，对学生心理变化也把握也不够准确，上课很难对学生产生影响力。另外，老、中、青师资团队梯队变化不明显，不便形成老带新，传帮带的效果，更不利于学校的长足发展。当然，民办高校油画专业教师流动性大，这也不利于师资团队建设，更不利于学校学科发展。增加学校教师上岗培训开支，某种程度上就会影响学生的专业学习效果，进而影响民办高校油画教学的发展。
三、我国民办高校油画教学的创新发展设想
【关键词】美术学;毕业论文;论文选题
一、美术学本科毕业论文常见问题
（一）毕业论文选题范围不当。大部分学生的论文题目过大、过深，不适合本科生完成，如《浅析油画前景》、《试论中国传统工笔画与现代工笔画的区别与联系》、《浅析现当代中国风景油画》，这些选题范围学生很难驾驭，此类选题写成一本专著也不为过，本科生当然难以就此写出高质量的毕业论文来。如果论文题目过小，论文得不到展开，则内容空泛乏味，缺少研究的目的性。也有些毕业论文内容过于陈旧，只是对以往的论文观点进行简单的重复。所以论文选题要大小适中，难易得当，这是写出高质量论文的前提条件。
（四）缺乏自主学习和创新能力。没有充分的自主学习，创新能力就无从谈起，毕业论文有创新性才有灵魂和价值。有些学生的毕业论文直接重复论述其他人现有的观点与结论，抄袭他人的研究成果。有些学生对毕业论文的写作不够重视，认为美术学专业的学生应当以毕业创作为主，毕业论文只是应付了事，所以态度不端正，东拼西凑，这样很难写出具有创新性的、有价值的毕业论文。不论是结合自己的创作实践还是对某一专业领域进行研究，都应当是本人经过独立思考的成果，绝对不能直接剽窃他人的研究成果。
二、美术学本科毕业论文改进措施
（二）结合专业特长兼顾兴趣开展选题。不同专业的学生，在知识结构上各有所长，要选择有利于自身特长的选题来展开论文写作，能更深入地研究主攻的专业，扬长避短，易于开展。如果对某一领域有着浓厚的兴趣，研究起来会产生强烈的探索精神。比如自己对中外美术史的山水画和风景画比较感兴趣，就可以以中西山水和风景作为主要的研究领域。如果对国画中的仕女人物感兴趣，就可以以研究中国唐代的人物绘画作为选题。
我的画笔不撒谎
几乎同时,刘贵宾的创作已到了“厚积薄发”的阶段。多年的技法锤炼、以及对艺术人生的思考令他为自己的创作定下了个基调:真诚!这看似平凡的两个字意味着不随波逐流、不矫揉造作;意味着心灵的真情投入,创作每一幅作品,都有强烈的感情存在。用画家自己的话说,那就是“我的画笔不会撒谎。”
也许正因为刘贵宾大器晚成――他的大部分代表作,产生于上世纪90年代以后,也即他50岁以后,在进入21世纪花甲之年后,他的创作才呈现“火山喷发”、佳作迭出的壮观景象。再加上画家不善也不喜炒作,所以刘贵宾的声名还算不上特别彰显(尽管中国香港举世闻名的经济学家张五常先生独具慧眼,曾专门收藏过刘贵宾的画作)。但在美术史上,我们也见过吴昌硕、齐白石、黄宾虹、潘天寿“衰年变法”形成自己成熟风格的例子,而刘贵宾迄今数百幅作品的存在,已当得起“大家”之名。
无论画什么,都有“人”在
天津美术圈曾悄悄衡量了一下刘贵宾的作品,得出的结论是:刘贵宾的静物第一、人体第二、风景和人物画第三。而海南美术界则对刘贵宾的人物画评价甚高。
笔者以为这些议论都很有见地。
静物画尤其花卉画在刘贵宾的作品中占据了很大的比重,他认为“静物画更像诗歌,而人物画叙事成分更多”。确实,刘贵宾的静物画早已不在“写生”层面,其笔下花卉的生命力也不仅仅是“栩栩如生”,而是让人分明感受到花的性格,以至花的灵魂。他画中的花有的高雅、有的质朴、有的厚重、有的潇洒、有的富贵、有的野逸,分明隐喻着各种人物性格、人格境界。求之于画家,刘贵宾说出了令我心惊的见解:“比如这幅《葵花》,最早我是在石堆中找见的,那种黄、那股厚重感,一下打动了我,当时就把它采回去,极想画它。画的途中,又想起自己的一个女学生,长得很丑,但很质朴、厚拙,有一种壮美,于是画得畅快,出来的效果也非常好。”而另外一幅《鸡冠花》,画之初没感觉,蓦然他想起另一位女性――极精明、善于表达自己、很具母爱,一下子就画“顺”了。此外,像淡雅而朦胧的《蛋黄花》,则蕴藏着画家少年时代对自己故乡的一段回忆,而富有野性生命力的《曼陀罗花》,则是画家在海南乡间的一次美妙的邂逅,这些都是让人联想到大国画家潘天寿对其故乡雁荡山野花的热情讴歌。
同样,画家人体画虽然作品不多,但水平极高,个中原因,也是因为画家不仅认识到“人体是最美的”,而且人体美也并不抽象,更不单一,有各种各样的美――柔美、秀美、壮美、性感美,等等。他强调:一幅画应该很单纯,就追求一种情调,但这一情调一定要很到位,给人强烈的印象。他在海南期间,曾带五六个人体模特去万宁石梅湾壮阔遒劲的海湾边写生,由此创作的与磅礴海景融为一体的大型人体画,宛如一曲大自然与人体美的交响。
刘贵宾的风景画常令我想起莫奈等印象派大师,莫奈可以对着一座麦垛从早画到晚,观察一日之内阳光在物象上的细微变化,刘贵宾也会对着海南景物中的“绿元素”细加探寻――这是海南本土画家都难以克服的一个难题:海南的绿太多太宝贵了,但是却难以得到艺术的展现。刘贵宾首先深入热带雨林及橡胶林区,对大量绿色物象进行观察,他感觉要画好风景画,自身与物象的融合既很重要,对物象把握的提炼和取舍,更要有高度的概括功夫,而这与强调“成竹在胸”的东方美学是一脉相承的。经过反复的探索,刘贵宾认为并无绝对的绿,如果一味画绿,就会越画越怯,而当搞清楚相对颜色的准确性,则绿就能“跳出来”。通过反复探索,刘贵宾对绿色的把握已臻化境,象《绿色交响》里从深绿到浅绿,亮绿到暗绿的复杂变化,《红树林一景》中湖光树影的处理以及《椰林》中对极难把握的椰树绿色的提炼,都给人深刻印象。笔者尤其难忘《雾色胶林》中那种浅浅、淡淡却又充满神秘感的绿,刘贵宾告诉我,那是海南冬季的一片胶林,一种轻音乐般的抒情调子。
刘贵宾承认,在他的风景画、静物画中,都吸收了国画大写意的手段(他偶而也玩玩国画,且出手不凡),如此,具备了把握整体的心胸,就不会仅仅沉迷于细节的“描”,而能着眼于整体气势和感觉的“写”。刘贵宾的风景画,到海南后,应该说有了一个飞跃。在这个充满阳光和色彩的岛屿,刘贵宾处在极度的创作亢奋之中,浑洒出的,不仅是才华,更多的是激情和对生命的热爱。
笔者曾经称赞刘贵宾的一幅画画出了“人类母亲”的苦难、沧桑和慈祥、刚毅、尊严。刘贵宾曾问自己的母亲(她年轻时即守寡,一手拉扯大六个孩子),“谁最像你”他的母亲答:“你最像!”刘贵宾深感得意。是的,刘贵宾出身在一个平凡普通的家庭,但对其父母的为人,刘贵宾一直评价甚高,也正是这种劳动大众质朴厚重的气质此后一直融入到他的为人及艺术创作中,并化为博大真诚的艺术辉光,映照了他包罗万象的绘画世界。有人说“艺术家所有的画其实都在画自己”,笔者总觉得刘贵宾笔下的这些坚毅执着的老人,其实也象征着其自身的艺术青春不老。
尤其令人高兴的是,近几年来,刘贵宾声名渐著,陆续在海口、深圳、三亚、黄山、天津等地,办了大型画展。2006年年底,收有上百幅代表作的《刘贵宾油画集》的出版,更是为刘贵宾迄今的艺术成就作了一次很好的总结。在海口举行的艺术拍卖会上,刘贵宾作品均拍得最高价。目前他已成为旅琼画家的领军人物之一。去年10月底,刘贵宾情系海南大型画展在泰达美丽道画廊展出,其中以热带雨林风光为主题的长达六米的大型画作《生命的礼赞》,以饱满的艺术激情描绘了此先鲜有人涉猎的题材,海南岛“独木成林”的壮观景象从此进入绘画历史。
作为艺术家,刘贵宾是晚熟的,但他的作品有着向日葵沉甸甸的力量、有着丁香的高贵、曼陀罗的野性,有着椰林的挺拔、海浪的壮阔和热带雨林的神秘深邃。几十年来,他沉得住气,默默耕耘,终成大器。如今,我们可以毫不犹豫地说:他已无愧于艺术大家的称号。
刘贵宾作品系列
作为中国写实主义油画的代表人物之一，杨飞云不断地将自己古典绘画的风格进行延伸，为中国油画注入深厚的东方积淀。而作为中国油画院的院长，他也为中国油画教育的未来倾注心血，践行着自己的理想。
“文艺座谈会是今后工作的有力支撑”
杨飞云说，讲到，中国精神是社会主义文艺的灵魂，中华优秀传统文化是中华民族的精神命脉，是我们在世界文化激荡中站稳脚跟的坚实根基。这种提法是全新的发展，为文艺确立了更深的传统根基。这也启发我们：社会主义文艺要与时俱进，但更要立足本根，和我们优秀的传统结合起来进行发展。
“从主席的讲话中，也可以看出他对当今文化的现状有很强的忧患意识，对于一些浮躁、混乱、庸俗的文化，沾染铜臭气，成为金钱奴隶的文化毫不留情地进行了批评。讲到这一点时，我作为一个文艺工作者和在场的各位，都特别有共鸣。”
“还有很深的一点感受是，”杨飞云说：“在他的讲话中，人民性始终是一条主线。他讲到，文艺家是塑造灵魂的工程师，文艺工作者应该牢记创作是自己的中心任务，作品是自己的立身之本。要坚持从人民中来，到人民中去，坚持以人民为中心的创作导向，离开人民就成了无根的浮萍，无病的，无魂的躯壳。我认为，他所指的人民性，是指所有伟大的文艺作品都是能够和人民产生共鸣，让人的灵魂经受洗礼，因而才能流传久远。”
杨飞云说，自己可以感受到的这番讲话有很强的针对性，对文艺本身的规律和核心价值做了非常透彻、鲜明的阐述，很多话直指核心，对文艺工作者来说，是今后工作的引领和有力支撑。“自己感到既振奋，也有很强的责任和使命感，我们画出来的画，能不能代表这个时代最好的东西，能不能留存下去、感染人？这都是我们要认真思考的。”
爱画熟悉的人
杨飞云的油画作品是以纯净的古典主义而享誉画坛的。细观他的油画，似乎每一幅都色彩庄重，格调高雅，气息唯美。他的笔触细腻圆润，从容自如，在看似平凡的日常人物场景中，表现出一种永恒的品质。人物的眼睛是他精心刻画的部位之一，它们通常大而明亮，流露出“充满希望和憧憬的目光”。尤其是女性，目光中透出的恬淡、温婉，令人印象深刻。
杨飞云喜欢画熟悉的亲人和朋友，从朝夕相处的人们身上，他捕捉到举手投足间细微的美感，这些普通人在他笔下变得光彩照人，饱满生动。他曾经说过，“假如一位色彩和形体都很好的异乡人和一位普通的朋友都愿做我的模特儿，那我一定画我的朋友，这样对心灵和情感有益，似乎也能表现得深刻而亲切。”
众所周知，杨飞云最著名的模特是夫人，从少年时期就被他用画笔描摹，成就一段艺术佳话。他很多广为流传并获大奖的作品，画的正是夫人。“她的形象很适合画出一种东方的美感，我又想创造一种东方美的典型性，所以就画她。当时也画了很多别的画，但是偏偏画她的画都获奖。”杨飞云笑着说。
艺术伴随成长
生长在内蒙古草原的杨飞云，从小就和艺术相伴。他的父亲是一位乡村教师，教音乐、美术。父亲教学生画画时，杨飞云也总是跟在旁边，在课本和作业本上涂涂画画。而他的母亲则是一位剪纸高手，每逢年节，母亲总是受邀为村子里的人家做窗花剪纸。父母的耳濡目染，让他从小就对艺术萌生出一种亲近与热情。
12岁那年为看像，他与小朋友骑自行车跑40多里山路到包头。当他第一次看到比人还大的彩色巨像，还有人登着梯子往上“刷漆”的时候，顿时着了迷……随后，他几乎把所有被画师扔掉的油彩管都捡回了家，挨个掰开，搜刮里面的剩颜料，然后学着画师的样子，自己画油画。
真正的绘画学习是在“”开始后，在艰苦环境中保留下来的几本珍贵的画册，影响了杨飞云的一生。“一本徐悲鸿的素描，一本达芬奇的评传，还有一本伦勃朗的画集。”杨飞云至今仍然记忆深刻，甚至可以毫不费力地回忆起那本画册的样子。“很厚，亚麻布的封面，带着油墨的味道。由吴作人先生作序，由前苏联印刷的。”这本伦勃朗画集，杨飞云已记不清楚临摹过多少遍。
这些书在“”时期是十分珍贵的资料，让他在学画之初便接触到最好的示范，他因此了解了什么是文艺复兴，什么是古典油画。“可能那些书对我的影响太大了，到现在你要问我最喜欢的画家是谁，我还是会说达芬奇、伦勃朗。”
那时，学校如火如荼地开展政治运动，很多宣传和美术方面的工作都交给擅长绘画的杨飞云做，画宣传画，写美术字……他的画作越来越多地受到鼓励。后来，他被指派负责包头铁路局的美术宣传工作，为专栏画刊头画，为样板戏画布景，还为演员化妆，担任小学美术老师。
“”结束后恢复高考，1978年，22岁的杨飞云考入中央美术学院，成为第一画室的学生，得以接受正规、系统、科学的学院式美术训练。在这个令无数人神往的培育中国画家的摇篮，杨飞云打下了扎实的古典主义绘画基础。他深深痴迷于欧洲古典油画。那些经典作品，深深吸引着他不断地“向大师学习”。“我爱古典绘画，不仅是那种细腻、深邃、单纯高贵、严谨的样式，更让我佩服的是古典大师们那种视艺术事业为崇高神圣事业的精神和严肃认真制画的态度。”
1987年，杨飞云作品《北方姑娘》在“全国第一届油画展”上获优等奖。1989年，作品《唤起记忆的歌》获七届全国美展银奖……年轻的杨飞云开始在画坛初露锋芒。
坚守古典主义
杨飞云对中国油画发展的贡献可以说是里程碑式的。正如陈丹青所说：“在文化如此匮乏的时代，他矢志具有高度文化、被笼统称为‘古典主义’的画路，犹如皈依宗教，在当代艺术喧嚣岐异的近二十年，他沉潜自适循规蹈矩，追摹西洋先师的写实手法，画人体，画肖像，画风景。”
的确，从上世纪八十年代开始，当代艺术舞台喧嚣热闹，各式各样的新流派粉墨登场，而作为油画渊源的古典主义艺术却日益被冷落，被一些人认为“过时”、“落伍”，“艺术价值不高”。
但杨飞云没有追赶时代的潮流，而是仍然坚持着画那些美得一尘不染的古典油画。2004年，杨飞云与艾轩、王沂东等人发起成立了“北京写实画派”，当时共13人，后来陈逸飞加入其中。在接受陈逸飞的建议后，于2005年3月正式更名为“中国写实画派”。
“在成立之初，当时写实被认为已经是边缘艺术了，但是我们没有任何动摇的念头。”
在杨飞云看来，写实绘画，其实“写实”并不是目的。正如一些伟大的写实作品，画的是神，是耶稣、维纳斯、大卫……表现的是一种天人合一的灵性与神性。所以，以形写神，形神兼备，境界和品格才是目的。
对于一些所谓的新流派对传统大放厥词的做法，在杨云飞看来其实很无聊。“艺术在于水平的高度，而不在于新旧样式上的变来变去，样式可以无穷的丰富，但如果没水平的话，那个丰富有什么用呢？”
打造油画界的“书院”
熟悉他的人知道，杨飞云的日程表上，主要内容永远只有三项：教学、读书和创作。杨飞云从美院毕业就一直在从事教育。2007年，中国油画院成立，杨飞云被推举为院长。回想起这7年，让杨飞云感觉“好像做梦一样”，时时痛并快乐着。
对于中国油画院，杨飞云用了一个比喻，就像油画的“生态大棚”，油画艺术在这个地方可以茁壮生长、少受干扰。他说，自己特别欣赏中国历史上的书院。“一些学者自行筹款建学舍，把各地的学者聚集起来讲学，做学问，同时自己种地，自给自足。我一直觉得那是个理想国，所以在做油画院的时候也老是想到书院。当然，从性质上来讲，书院是‘民办官住’，油画院是‘官办民住’，两者没有太大可比性，但这是我个人的情感上的一种向往。”
杨飞云说，中国油画院是一个学术平台，让优秀的有前途的青年艺术家能在这个平台上发挥他们的作用，做好这个服务是自己的理想。“我们做展览，做研讨，做教学，做出版，是为了提高，一是我们自身在油画艺术的学术水平上提高，然后通过各种活动，发挥一种影响跟引导，达到对社会审美水平的提高。”
近年来，杨飞云组织了很多学术展览和研讨会，并组织院内的艺术家、学员到全国各地写生，到国外观看、临摹大师原作。除此之外，中国油画院每年还会在全国举行多次写生活动，他一年至少带队两次。杨飞云一直强调，写生是一个油画家必须经常持守的本分，是亲近自然、锻炼画艺的最佳方式。
在总结自己的绘画经历时，杨飞云曾经这样写道：“有一颗仰望的心，才能有一个高的起点。我渴望以自己一颗仰望的心、切切的心，去礼赞存在于万物生命中的美质。”
对话杨飞云：
《中华儿女》：这场座谈会，具体到您中国油画院的工作，对您有什么样的启发？
我们艺术研究院，研究艺术的规律、技法等等，这都是表达上的部分，那么表达什么呢？我们始终应当清醒：不管艺术表现的工具与技能发展到什么程度，人类追求真、善、美的核心价值是不会变的，向上追求真理的大情怀、正能量是不会变的。我们应该高扬真、善、美的核心价值观，去创造代表这个时代并具有先进精神的健康艺术。所以，的讲话对我们艺术研究院、油画院所做的工作，提供了一个很好的支撑。接下来最重要的是，怎么能够以具体的措施落实、行出来，而不单单是“口号式”的传达。
《中华儿女》：您最初为什么选择了写实油画这条路？
《中华儿女》：油画是起源于西方的一种艺术形式，但您的很多人物作品中都表现了东方女性的美，在这方面您是怎么去尝试的？
杨飞云：油画只是一种表现工具，就好像电影、戏剧、话剧、摄影都是一种表现工具。这个工具是600多年前西方人发明的，在西方文化的历史上积累了几百年，所以创造出西方文明的一种格局和特点。中国人学的时候，就觉得那是西方人的。其实油画最早在弗兰芒出现，后来在意大利，再之后在西班牙，19世纪才在法国。每一个民族把这个画法拿过来，都创造了他们自己的特点。意大利和德国，19世纪和17世纪的特点都是不一样的。中国人拿到油画的那一天，从徐悲鸿、李叔同等画家拿过来画油画，一看就是中国人的作品，因为他们的情感、思想、审美、特点、个性不一样。所以大家说，你学的是西方的古典绘画，如何表现东方的美感？就算你让我画西方的美感，我也画不出来。就像有些西方画家画中国人，都画的不很东方，一看就是外国人画的东方人，这是在骨髓里的，而不是样式上的一种东西。
《中华儿女》：现在很多画家也在技法上和材料上尝试油画跟国画的结合，做了很多尝试，对此也有很多反对的声音，您怎么看这样的尝试？
杨飞云：打通也是一种拓展，就相当于木种嫁接一样，苹果和梨树嫁接叫苹果梨。但这只是嫁接出来的一个物种，真正的物种不能丢失。我们说画一种油画和版画的嫁接，叫油版画，但是它取代不了油画和版画，是吧？不能有了苹果梨就不要梨和苹果了，这是很简单的道理。
另外一些画家想通过这种方式创造一种新的可能，但这种新可能不是方式、样式上能够解决的。比如说中国画的样式是由中国画的材料发展出来的。软笔、宣纸和发散的墨水结合在一起构成了一种绘画的效果，有好多人用油画来画这种效果，就好象用钢琴去演奏一个马头琴，看看能不能模仿出来，能有那个感觉，但这不是它的长处。人为创造一种怪异的东西，我觉得不是大路，但是也不好说，也许会出来一种更有力量的东西。这东西不用反对，只是说他的水平如果不够的话也没用，他的艺术水平必须够才行。
《中华儿女》：所以在您看来油画这种技法是中立的，它并不代表西方，在您这儿并不存在东西方之间的界限和孰优孰劣的争辩？
《中华儿女》：那么对我们的本土文化并不需要过多地去保护？
杨飞云：如果把一个成熟的人放到纽约几年，再放到非洲几年，难道就变了吗？你吸收了那儿的东西，回来以后比没出去过的中国人多了两个东西，但你还是中国人。所以我们现在令世界上很多人吃惊的就是，他们没有我们的文化，我们却有他们的文化。他们不可能拥有我们的古代文化，我们却拥有他们的现代文化，而我们的古代文化在我们的血脉里面。中国油画，我是觉得未来应该创造出更好的东西。
《中华儿女》：您的作品也经历了两种风格，从前期非常细腻的写实到后来相对写意性的风格，您现在更偏爱哪种？
杨飞云：绘画对我来说可能有两个部分，一部分是画的严谨，细腻一些，古典一点的。另外一部分就是比较书写一些，实际上有点像工意和写意这样一个过程。越到后来，我画的越来越写意。随着年龄的增长，人的认识、理解力都会慢慢的有变化。所以越到老了，可能画画越重视理念。还有一点是，抒发比描写可能更重要。描述一个东西它是基本原理，但真正到了最后，是要抒发自己的情怀，抒发自己的感动。
《中华儿女》：中国油画院成立之初您就担任院长，从画家到院长的身份转变，是什么心情？
《中华儿女》：那您会担心事务性工作影响您在艺术创作方面的进一步深入吗？
正文：
独特视角的呈现
此外，对质感的强调也是李钢在艺术创作中的一个重要理念。这一特点在他的手工布面油画作品《大胡子》、《脸》、《绿罐子》中体现得尤为突出。这些作品的画面都是取材于以往艺术大师作品中的某一细节，并将其放大。有趣的是，被放大的不仅是画面本身，还包括对画布的等比例放大。在制作中，李钢以粗麻绳代替了用来构成普通油画布的线，麻绳交织的肌理与画布上纵横相交的线完全一致，麻绳制作的画布与染料的咬合也与普通油画并无二至。这样一来，包括材质在内的整个作品像是被置于一个无形的放大镜之下。若从另一种观赏角度来看，作品整体又呈现出某种抽象的意味。这种具象与抽象共存于画面中的感受，给观者带来一种全新、且多维的观赏体验。“油画是很有质感的，以前我画画的时候恰恰忽略了这种质感，忘记了它自身很物理性、很基本的东西，这对我来说很关键。”为了强调这种质感，李钢在一幅名为《画布》的作品中，展示了被放大后的未经绘制、而仅以白色染料铺底的画布效果，其创作理念从中得以彰显。
不难发现，李钢的艺术表现手法相当多元，绘画、装置、摄影等等，都是他艺术的表现形式。他并不偏执于某一种特定方式，这使他的艺术创作具有了自由发挥的无限可能。在李钢看来，一个明确的定义会给他带来束缚，无论采用何种创作手法，他所想做的是通过作品与他人进行交流。或许我们在生活中都想证明一个与众不同的自己，但灵魂深处又渴望在人群中寻得一种共鸣。我们诉说、表达，无论使用何种手法，终究希望得到回响。在将作品展出的时候，李钢希望通过作品与理解他的观者形成一种共鸣，这对他来说正是展览最重要的意义所在。
忠于自我的真实
走上艺术的道路，对李钢来说是或许是偶然中的必然。小时候学习成绩并不理想的他，在以成绩为个人价值评判标准的环境中，常常感觉不自信，直到他爱上了画画。初中的时候，学校来了一位漂亮美术老师。由于在绘画方面出色的表现，李钢经常得到老师的夸奖。“小孩子特别虚荣，老师越夸就画得越好，结果就爱上了画画。”李钢愉快地回忆道，“后来一下子就在我们那个中学里出名了。然后就去参加一些展览。”每每参展，特等奖、一等奖几乎都是被李钢捧得。绘画，成为了李钢个人价值的一种体现。进入了专业学校后，虽然“高手多、挑战也大”，但李钢的画却“越画越好，成绩也越来越好。”每一个人的身上都有闪光点，都有属于自己的长处，一旦这种潜力被发掘出来，便会迅速地攀升高度，从而调动起全部的精神，带动整个人生进入积极的状态，形成一个良性循环。能够发现自我所长、所好，并沿着适合自己道路前行的人，是幸运的。越来越自信的李钢，找到了自己人生的方向。
关键词：动画设计；创作指导；毕业设计
【关键词】童心画情本心智慧修身审美自然
从幻想的画面到真实的缩影，从梦想的世界到现实的生活，人们在成长的过程中被纷繁的竞争削掉了心灵的枝丫、想象的翅膀。任何生命都起源于单纯和纯粹，有着无尽的可能与幻想，儿童也不例外。但是，现在很多家长不恰当的成长教育导致幼儿的心性与创造力被消磨与破坏。舞蹈、绘画、奥数与英语，这些补习班充斥了每个孩子的假期。本该呵护、鼓励孩子发挥想象力、创造力的时期，一些不恰当的教育方式和拔苗助长的竞争心理可能使孩子未来的人生会有遗憾和迷茫。其实，这种高度填鸭式教学是禁锢想象力与创造力的。孩子需要的不是为了掌握应试知识而失去美好的童年生活，他们需要一个能够引导并激发自己内在潜能与兴趣的“老师”来带领他们探索生活。
常常听到有家长说孩子成绩不理想，只能通过艺考才能上好大学。于是出现很多不得不因此而学画画的痛苦考生，其中不乏学习能力很强却毫无天赋的“画工”。绘画很容易也很难，初入门往往可以做到只要学，画什么都可以很像，而越往后规矩越多，画面更复杂形象，自己也越发拘谨，一旦水平达到一个点，不仅画不出什么新奇的东西，甚至连画都觉得不会画了。如今，当代艺术与新水墨不断冲击着艺术市场，接受新思想与新风格变得容易与平常，学生如果缺乏想象力和创新能力，艺术这条路再走下去会越发痛苦。所以，当家长为孩子制定人生道路时，一定要明白是否适合孩子。绘画犹如“”，过程漫长而孤独，真正能坚持下来的人要有发自内心的喜爱，并具有非凡的毅力。
子曰：“三军可夺帅也，匹夫不可夺志也”。做人要有志气和骨气，史上皆有大家遇难，如颜真卿被缢杀、王维之杖刑、倪瓒被入狱和苏轼被流放等，他们从没有放弃自己的气节，这也是身为中国画家所应独有的文人气质。所以，一旦做了选择，就要勇敢坚持下去，通过努力，才会为自己打开一扇多彩的大门。
绘画虽然辛苦却是件美好的事情，而看孩子画画更是赏心悦目。笔者有一个爱做梦的启蒙绘画老师，她大学刚毕业就来给我当老师，爱笑，从不责怪，陪我一起看动物世界，告诉我她有多喜爱印象派大师，后印象主义是多么神奇，拉着我手去看达力爷爷的画展。当我笔者不想画画的时候，她就陪我一起盯着世界地图，告诉我哪些国家出了什么样的画家，他们有什么故事。她从不限制绘画材料，笔者七八岁的时候，就在她的指导下自己动手绷油画框子，用蛋清和乳胶做底子，炭笔、水彩、油画棒和丙烯对于我从不陌生。年轻的老师培养了我对绘画的热爱，我也永远记得她激情澎湃的绘画和充满浪漫情怀的生活。从此遇到再难的问题，也始终没讨厌过画画。上高中时，这个老师才正式开始让我去学真正的高考人像和静物素描。读大学后发现，创作于我比别人貌似更简单，而难在要与社会结合，然后升华思想或寻找形式美感。形式美感是大学课堂经常提到的词，不是特别提倡，但也不能离开，归根结底，绘画是用来表达人类情感的。
画家在寻找物象最初的真我，即“质有灵趣”。绘画需要我们像孩子一样观察世界，然后真实表达自己的内心。近年来，我总结了以下几点是学好绘画的要素：“画归于心”“质有灵趣”“善功于笔墨”“志游于四方”“创新尊己”和“人格修身”。这既是我们要学习的也是未来要教给我们下一代的。
笔者认为，人类与动物最大的区别就是智慧与审美，人类天生就会把感情寄托在美好的事物上。美术史的长河中，最出色的作品往往感情表达是最强烈的。这不仅仅是喜怒哀乐，还有诸多其他感情，像神圣、忠贞、丑恶或讽刺等。正如清代扬州八怪之一的金农所言“不干名誉，不趋时流”，唯心所想，注于笔端，跃然纸上，达到“明心见性”之境界。中国哲学讲究“格物至知”，绘画其实也是一种“格物”，通过绘画来反映现实中的“真、善、美”，从而归复人性中的“本真”与“良知”。所以绘画永远专于画情，一切技法与形式都为情感服务。这是画家最高精神层次的体现，也是画家一生的不断追求。
未来充满未知，生活往往有太多的无奈，但方向掌握在自己手中。
人活着要自由，本心尤为重要。倾听自己内心，尊重自己的选择。
1、专业知识、工作能力和具体工作
专题片主要有：涵兴记豆腐乳宣传片、诺奇男装宣传片、雅特力油画宣传片、森宝公司专题片、嘉华专题片、厦门卫星定位公司专题片、海普锐公司专题片、厦大EMBA专题片
2、工作中的不足：
在工作中有发现自己的知识积累较少，在构思方案时会有局限性，创意思维不够开拓，方法有待提高，接下去，自己也会在这方面改进，多阅读、多看影片，积累各方面的知识，开拓自己的思维，扩大眼界，提高专业水平。
总结半年来的工作，省视了自己的工作情况，对于明年的工作将会更努力的完成。
工作总结的很简单，其实应该要长点的，应该要分析工作中的一些要点，可是，不太适合让主管看到，哈哈，对于这份工作，我知道自己的积累确实不够，对于文案创意的专业者来说，必须要写出和大众不一样的东西，换句话说就是要有独一性，要有自己独特的风格，对于现在的自己，不满意，总感觉一不小心就会被淘汰，最近看李欣频的书，看到她写的文案，倒吸一口气，发现自己的差距竟如此之大，或许，毕业到现在都还没真正努力过，接下去，努力看书，看电影，丰富知识，为自己加油，微笑一下，为生活奋斗，继续上路。
文案策划年终总结二
人生很像一部电影，它的情节总是跌宕起伏，它的结局总是让人难以捉摸。人的发展和建树永远给人以遐想的空间，给人以成功的诱惑。对成功的追求就是每个人工作的动力源泉。
从8月17日我到公司入职以来，从事公司的策划工作，倍感责任重大，同时也非常感谢公司领导的充分信任，给予我这样的舞台以发挥所长。在此，我对自入职以来，在本职工作岗位上取得的一些成绩和一些思考或者说想法以及一些自身的问题，做出简要的述职汇报，望公司各位领导予以批评与指导。
首先我作为拥有将近5年的职场闯荡经验，从事了3年文案策划工作的职场老鸟，对文案的写作、策略的选择是有自己独到见解的。我有一系列被业界认同的操作模式在文案中得到了体现，文案策划贵在心思细腻，能想人所不想，能打破常规出奇制胜。一份优秀的文案作品与普通文案作品的差别仅仅在于亮点的多少而已。现实情况中很多时候为了迎合客户的实际需求，部分内容会做出删减甚至与之前的设想大相径庭，这些都是出于为公司谋取利益的正常考虑，并不是个人能力的缺失。
当然个人的不足肯定是存在的，人无完人嘛。每个人的知识层面、工作经历、价值观、世界观都有着明显的区别。一个公司的存在就是把这些不同个性的人完美融合在一起创造价值实现自我成就的共性需求。
入职后我的第一份文案是××××项目，这跟我以前从事的通讯行业、文体活动的项目策划有着明显的差异。我要改变身份以政府官员的角度创作文案才能达到他们的要求。虽然文案几经修改仍然流标，可谓出师不利。不过通过沟通得知失败的主要原因在于美工的不足以及场地考察的不够充分，我认为这在以后的工作中是可以避免的。