艺术不再是少数人享用，而属于普通大众，它逐渐以新方式从为权贵服务转向为民众服务的民主进程。可以说，波普艺术的开拓和革新，对现当代艺术的多样化和互融性，起了最为积极的引导和借鉴作用。
艺术家个人独特思想与情感表现结晶的艺术品传统美学定义，已为大众体验的复制品所取代。艺术品也不再是愉悦感官美的对象，而已经成为服从着供应与需求关系的一种商品，它不再为个人的观念所支撑，而全凭大众的喜好而定。艺术创作也不再是艺术家个人的创作技艺的实现过程，而是集体生产线式机器操作与复制流程。同样。艺术家也不再是天才的个人，而文化工业中的生产者之一。
虽然在波普以前的一切艺术都基于对世界的深度意识之上，波普艺术却声称要成为内在符号秩序的等同物——成为工业和系列产品的等同物。
波普艺术在抽象表现主义的铺陈下,逐步转向符号,商标等生活化的主题,从而成为波普艺术家创作的源点,一跃成为60年代欧美国家最新颖的艺术表现形式。
波普艺术可以通俗理解为大众艺术,也可以称之为新写实主义,是一种文化的表达方式,代表了世界第二次大战后欧美青年人的社会观念和文化观念。后现代主义文化是以波普艺术为主力军的艺术形式。
波普艺术只能算作60年代的产物。不过，这并非说波普是一场不成功的艺术运动。就反对现代主义运动以自我表现为核心的形式主义而言，波普艺术显得异常有力。
安迪·沃霍尔(AndyWarhol）
安迪·沃霍尔(AndyWarhol,1928-1987，港台地区译为安迪.沃荷),是20世纪最伟大的艺术家之一，是美国波普艺术的先驱，他的作品反应了上个世纪的消费主义文化，具有划时代意义，直到今天仍然在艺术界具有极大影响力。虽然他的艺术生涯仅仅有二十五年,而他的艺术活动所产生的影响力,却一直持续到半个世纪至今，他的艺术气息在近50年里无处不在。他打破了艺术的众多界限，摧毁了所谓的艺术等级，启发了众多艺术家不断探索与创新。
你也许不认可安迪·沃霍尔是伟大的艺术家，但就影响力来讲，他是二十世纪最著名的艺术家之一，他与巴勃罗毕加索（PabloPicasso）、杰克逊波洛克（JacksonPollock）和马塞尔杜尚（MarcelDuchamp）在艺术史具有同等的艺术地位。
沃霍尔被认为是20世纪最具影响力的两位艺术家之一（巴勃罗·毕加索和安迪·沃霍尔）。
沃霍尔的作品是二十世纪下半叶的重要艺术史的参照。
沃霍尔对几代美国国内和国际艺术家的作品产生了主要影响——既有那些传统上被归类为“优秀”艺术家的人，也有自1960年代以来崛起的摄影师、电影制作人、音乐家和时装设计师等突出人才，以及那些没有这么突出的人。
沃霍尔是波普艺术的倡导者,他在探索绘画作品表现的可能性时,突破传统手绘的单一模式,以重复母题元素的风格来表达大众趣味特征；其特点主要有：用热点传播符号表达流行文化,重复构成产生的拓展与延伸,色调的分离,运用重叠的图底建立空间等。
沃霍尔对波普艺术的革新,开拓促进了现代艺术的多元化和互融性发展.
沃霍尔有别于抽象表现主义前辈们对待艺术严肃认真、带有几分神秘主义色彩的态度，他完全沉醉于外表光鲜却无甚内涵的大众消费主义世界。例如他经常直接将美钞、罐头盒、垃圾及名人照片一起贴在画布上，打破了高雅与通俗的界限，因而深受世人的喜爱。
安迪·沃霍尔用取材于大众媒体、通俗文化的艺术形式颠覆精英艺术（highart）为主流的文化界；对于安迪·沃霍尔来说艺术不需要高深莫测，而是竭力地去避免高端艺术对于作品所传达信息或内在意义的依赖。
安迪·沃霍尔运用丝网印刷法（Silkscreens）将摄影图象转换到画布上。它是沃霍尔在创作技法上的最重要创新之一；其主要作品皆使用这种方法制作，而其作品的主要形式和风格特征都与这种方法有着直接的联系。虽然丝网印刷法早就被运用于工艺制作，但直到60年代，它才被引入纯艺术创作。
沃霍尔曾表示他是从罗伯特·劳森伯格(RobertRauschenberg)那里学到的这种技法；不过，这种技法在沃霍尔手中具有不同一般的意义。这不仅是指，劳森伯格只是将其部分用于其创作，只有沃霍尔才将这种技法用于整个艺术创作画面。而且劳森伯格只是为了增强作品的独特表现力而采用这种技法，而沃霍尔应用它则是为了减少作品的个人风格和加强表现的非个人性，突出波普艺术特征。
由于印刷过程产生的油墨不均或者套色不齐在他很多作品中都存在，沃霍尔决定保留这种意外的失误为作品增加的粗糙美感。正像可口可乐配方产生于一次失误一样，沃霍尔乐于享受不完美为作品带来的生命力。
沃霍尔的风格，就是没有风格，彻底抛弃传统艺术创作中提倡用作品内容的隐喻来表达一些高大上的原则，还原到表现事物本身，弱化风格，强调题材本身。
沃霍尔说：“请不要深究我作品的含义，我的作品就是你所看到的那些图像的表面。”
安迪·沃霍尔剔除作品中多余的感情，时常营造出一种冷漠的质感，这就是他与其他艺术家自身的不同状态。他拒绝自我的情感表达，日常行为与为人处世的心态就能在他的作品中有所体现。在安迪·沃霍尔的作品当中，他把画面每一层的色彩搭配都进行了一个分类分层次的排序，加上对背景进行单色调的处理，使整个看似分散的色彩表现具有一定的完整性；提高每一个色彩应用的饱和度，使这个画面中能见度高的颜色与其中的深色背景有鲜明的对比，起到了既突出画面又统一视觉的效果。
他创造了世界：平民化的世界、实验性的世界、非传统经验的世界、反精英反贵族的世界，讽刺和不屑于传统的艺术价值和社会秩序是安迪·沃霍尔最大的价值，他用了他的一生实践来克服不情愿的、无情虚幻的、没有人性的现实社会。
沃霍尔认为既然生活都已经不分阶级，为什么要把艺术区别对待？
安迪·沃霍尔将艺术转化为金宝汤，而不是将金宝汤转换为艺术。只有当所要表达的灵感和精神能够通过大众用品所体现时，安迪·沃霍尔的艺术才能被称之为艺术，沃霍尔把属于大众的视觉影像和属于精英的艺术完美地结合起来。
安迪·沃霍尔的“创作”，应该是“再创作”，他所有的作品都是借用已有的影像、物品、材料，将它们进行再加工，融入自己对单调重复、日常生活的思考和诘问，让沃霍尔的哲学通过这些再创作的作品体现出来。
在安迪·沃霍尔看来，商业社会加速了消费品的同质化，也将阶级抹平。而流行文化正是商业社会里最具魔力的东西，无孔不入。
沃霍尔认为艺术就是这么简单！他所谓的艺术品就是“商品画”而已，可以大量地手工绘制，致使其廉价，而不是指写实画中的某种韵味。
安迪·沃霍尔创作的艺术品所突显的是世俗化的展示价值，令受众沉浸于自我满足的消遣性之中，而不再是前工业时代，扮演宗教、礼仪作用的膜拜价值。
波普艺术就是以通“俗”为主题创作。沃霍尔笔下的玛丽莲梦露画像，就是俗气到家又甜到发腻的典型，但是没有人说这是“商品画”。因为大家已有共识：一幅画的价值要看其是否独一无二，是否世界首创。
在这些作品中，沃霍尔追随马塞尔杜尚、罗伯特·劳森伯格等人的脚步，抹去作品里艺术家的创作痕迹，把画面交由机缘巧合与工业生产完成。
波普艺术在1960年代初期“废除”了抽象表现主义（作为最重要的前卫美国艺术运动）。抽象表现主义强调笔触的独创性和与旧象征的浪漫，沃霍尔从传统绘画转向硬边、单一、非人性的画面表现方式，画面的审美特征,从平面化,色彩的单纯化以及审美的大众化标志着沃霍尔风格的形成。这种创作理念也贯穿在他的人物肖像创作中，采用单一平薄的背景颜色和单调平薄的色彩，弱化人物个性的肖像，使其产生物化的效果。
在沃霍尔的晚年，其创作的肖像绘画布满了感性和富有表现力的强劲笔触，明显地带有个人独特风格特征，从而展现了向传统架上绘画的回归。他也还在用丝网印刷法复制别人的作品，其最后一件重要系列作品是在去世前一年，即1986年。创作的六幅达芬奇的《最后的晚餐》。其与早期作品的一个明显不同之处是。这几幅分别为黑色和青色、黑色和桔黄色；黑色和白色、与黑色和黑色色调的作品似平笼罩着一种极端沉重的“崇高”气氛。
商业是最好的艺术
安迪·沃霍尔一向不排斥艺术与消费相连，他将「商业」本身视为一种艺术，并声称「商业做的好是最令人着迷的一种艺术」。终其一生，安迪·沃霍尔都朝着商业艺术家（businessartist）的道路前行，因为在他看来，赚钱是一门艺术，工作也是一门艺术，而赚钱的商业是最棒的艺术。
现代社会是一个消费的社会，人们对于明星名人趋之若鹜，明星名人的影像就是大众的消费品。而推动沃霍尔走向成功艺术家顶端的，是他将艺术作为一种商业来运作的哲学，正如他所说：好的商业模式是最好的艺术。跟踪社会热点，批量生产，制造名人效应，整合和利用所有的人脉资源，甚至把自己打造成名人，这些都是沃霍尔艺术中不可或缺的一部分。
安迪·沃霍尔认为赚钱是一种艺术，工作也是一种艺术，赚钱的商业是最棒的艺术。
有了沃霍尔，所有艺术一切都改变了，艺术变成了艺术商业。
安迪.沃霍尔认为艺术与金钱挂勾，因此应该要努力把艺术商业化。