序论：在您撰写服装设计论文时，参考他人的优秀作品可以开阔视野，小编为您整理的1篇范文，希望这些建议能够激发您的创作热情，引导您走向新的创作高度。
摘要:在强调服装商业性和艺术性的基础上追求艺术的设计方式是发展我国时装业的正确方向,在设计中如何正确运用这两者的联系成了迫切需要解决的问题。当然,这个问题的处理方式应该既是循序渐进的,又是全方位提高的。使社会和设计师本人协调地联系起来,为发展中国时装事业做出努力。这一切对于我们时装设计工作者提出了一个高要求。中国时装业要更快发展,需要每一个设计师刻苦钻研,解放思想,不懈地努力,及与社会各部门建立协调的关系。
关键词:时装设计服装商业性服装艺术性
当今社会是信息的时代,生活中人们以追求时髦,讲究穿着以成了一种新的社会时尚。服装设计越发处于一个重要的地位。时装,既是商品又是艺术.谈起服装,人们首先想到的可能是它的款式、色彩、面料等.学术和艺术因素,对于一个单纯搞服装设计者来说,更偏重于艺术方面的研究.但在服装厂家、公司眼中,首选的是市场,设计出的服装有市场才有价值.
服装属于商品文化。东西方对其理解大相径庭。西方人把艺术作为其价值的评价主体;而我们则以功利评价服装为主。我们应该如何正确理解时装设计之中的艺术性和商业性呢个人认为,应该从时装设计的社会客观性和设计师的人为主观性这两个方面来加以认识。
首先,在允许的条件下要极力追求时装美的表现形式。在我国,以功利为评价核心,追求以销售为第一性的时装设计一直没有得到快速发展,这是由于人们对时装的整体认识尚未完善,着装知识尚未普及等等因素。也就谈不在时装的艺术性和商业性的如何完美结合了。比如我国的旗袍,以合体、反映人体曲线美,具有民族味作为主要特色而为不少中国女性青睐。但是,旗袍的穿着场合限制较大,与现时代人们的的生活距离较远。可某些服装厂家不顾现装,对其进行简单的修改就期望大批量生产,于是出现了既失旗袍的优雅端庄又缺现代筒裙款式的味道‘新式样’,这样的“设计”之后果必然是造成产品的积压。当然,我国设计时装的另一因素是长期的封建意识造成我国人保守的思想和严重的“从众”心理,促使着毫无个性的设计产品充斥市场。
因此,作为一个设计人员在设计之前必须建立一个正确的设计思维。艺术性的,商业性是一个相互联系为作用的两个要素,任何放弃了它们的前提而孤立强调其中之一设计都不能也不可能会创造优秀的作品。艺术性和商业性在设计中应该是并列的,而这其中,艺术最终应服务于商业性。
时装艺术是既联系与其它艺术又区别于其它艺术的独立文化。因为它有一个重要的联系媒介,就是必须通过消费者加之鉴定设计的成败。可见必须把商业性作为设计的首要条件。鉴于国内的经济基础及设计水准,把功利作为评价之核心,以人为设计目的,这也是一种循序渐进和正确的发展方向。那么,如何提高设计作品的商业性呢应该注意两个方面:
第二,设计与生产、销售的协调性。时装设计从某种角度来说是一门强调人与人协作关系的艺术。因为时装设计很大一部分是感觉的东西、心理学的东西、带有某种数学的东西。从设计到生产到销售经历了设计师与厂商之间、厂商与消费者之间、消费者与设计师之间的循环反复的关系,只有适当处理好这三者之间的关系才能最终使设计作品发挥良好的效益。关于这一点对与我国市场来说,由于服装业刚刚起步,面临着众多的问题。因而在市场上就不难发现经常有这样的现象:设计师的作品厂商无法接受进行批量生产;而厂商的商品的产品又缺乏其艺术属性而被消费者持否定态度;设计师渴望得到消费者的认可有失去了服装厂商这中间环节的支持。这种互相间的不协调产生了服装业发展的不稳定。要改变现状首先是各服装厂要有自己的设计师,有自己的名牌产品,有自己的消费者。
第三,时装之所以是时装,就是因为它以时尚为准则,以美与新为核心内容。圣。若朗从绘画上吸收灵感,创造了蒙得里安系列及一系列极富绘画艺术特点的高档时装,显示了惊人的神韵和设计师本人高雅的艺术修养;三宅一生的布料塑造的具有立体形态的时候使穿者成了一个会移动的塑造。。。。。。。。时装的艺术性可以这样理解,即指设计师运用的艺术修养尽善尽美。因此我们的设计师应该把提高自己的艺术修养视作提高作品艺术性首要条件。
质文明与精神文明。历史上,我国曾被誉为衣冠王国,礼义之邦,从博大的唐风到明清的秀丽,历代精美的服饰品都是一笔不可多得的遗产以及遗留下来的诸如雄伟的故宫、小巧的苏州园林等等各种风格独特的建筑;驰名世界的中国丝绸,浪漫的丝绸之路;多民族不同的有服饰特点;不同地貌产生的各异的自然美......。为每一个设计师创造了丰富的设计资源。皮尔卡丹从中国故宫飞檐得到灵感,创造了风摩世界的时装翘肩样式;帕克拉邦纳从长城得到启发,设计出了独具一格的长城领。同样的东西在我们的设计师是否站在一个设计的全新的角度去进行创造性的思维。这是提高设计作品的艺术性的重要一环。
总而言之,在强调商业性的基础上追求艺术的设计方式是发展我国时装业的正确方向,在设计中如何正确运用这两者的联系成了迫切需要解决的问题。当然,这个问题的处理方式应该既是循序渐进的,又是全方位提高的。其中应该做好如下几点:
第一、建立起商业性的流行预测机构。以消费都的反馈和西方国家流行倾向为依据,为设计师提供客观的设计方向,从另一个角度来说,设计师、服装行业至少对于市场调查这一环节必不可少。
第二、树立正确的商业性概念。我国目前不少服装厂家(设计师)进行的所谓纯商业功利性设计与生产,其实应归结成不符合今天市场现状的计划性产品生产为主体,辅助以少量的消费反馈,而这种生产方式在西方国家的时装商业中已很少见,甚至于已不可见。我们的企业是以消费者是否接受为标准的。因此,我们的设计中其实已经放弃了以人为设计目的这一商业性设计的首要条件。时装设计需要设计师与厂商之间的协调发展。故要发展时装业,还需经营决策者以市场需求为导向,形成生产经营机制的良性循环。
第三、提倡时装的艺术表现力,摆正艺术与商业之间关系,使国内时装业走向高级时装发展的正确轨道。中国时装必将在国际市场上占有举足轻重的地位。“
总之,这一切对于我们时装设计师提出了一个高要求。中国时装业要更快发展,需要每一个设计师刻苦钻研,解放思想,不懈地努力,及与社会各部门建立协调的关系。只有这样,不久的将来,中国一定会成为世界的另一个时装中心。
一、服装设计人才的培养目标及培养模式
服装是一个社会政治、经济、科技、文化等的综合体，体现着人的价值观、伦理观、审美观、民族风貌和时代精神，浓缩着人类发展史和文明史，是社会的一面镜子。随着时代的发展，服装产业已由劳动密集型向技术密集型和资金密集型转化，企业的竞争已由低成本、低价格的竞争转向品牌的竞争，其中服装的科技含量和文化含量以及创新将是竞争的关键，这就对服装人才的培养提出了新的挑战和更高要求。我们必须就目前相对落后的教育观念、教育形式、教育结构、人才培养模式、教学内容和教学方法等进行一系列的改革，以培养出具有深厚文化底蕴，较高的科技素养，高尚的审美品位、较强工程技术能力的高素质服装设计人才。
所谓培养模式，是根据人才培养目标和质量标准，为受教育者设计的知识、能力和素质结构，以及实现这一结构的方式。根据培养目标服装专业应采用以应用能力和基本素养为主线，同时注重应变能力可持续发展能力的培养模式。按照宽知识、厚基础、能力强、素质高的要求，建立新的课程体系，更新教学内容，采用现代教学方法和手段，重视实践能力的培养，其中最核心的是创新精神和能力的培养。
二、服装设计人才应具备的基本素养
作为一名符合时代需要的优秀服装人才，除了具备较高的专业能力外，还应具备以下几方面素养：
化时代相适应的、具有世界性的中华服装。4．市场经济素养服装是一种商品，必须遵循商品的一般规律。从产品到穿在消费者身上，才是设计的真正完成。我们的很多服装设计师在T型台上的设计是成功的，但在市场上却大都是失败者。究其原因，主要是他们缺乏市场意识，不懂市场经济，不懂产品的真正涵义，没有真正深入分析和了解消费者的消费心理和行为，不懂得消费者真正需要什么。
随着社会的发展，人们的需求呈现出多样化、差异化、个性化和审美化，这在给我们设计师带来施展其才能空间的同时，也给他们带来挑战。由于人们的经济收入水平不同，受教育程度不同，地理位置不同，文化背景不同，以及价值观的多元化趋势，人们消费的追求是不一样的，对于产品的理解也是不同的。从营销学的角度来看，一件完整的产品有三层涵义：实质产品核心产品、形式产品和延伸产品。比如对于受教育程度高，收入丰厚的人来说，在购买一件服装时，往往把精神上的满足看做是产品的实质，即他她从产品中追求的利益所在。而面对一般消费者来说，他她可能更看重的是产品的实用功能，把产品的实用功能看做是产品的实质所在。所以，作为一优秀的服装设计师，必须是一位市场整体的策划者，充分熟知市场运行规律，找准自己的消费群体，进行正确的市场定位，了解你的消费者真正需要所在。正如一位世界著名高级化妆品生产企业家说的那样：“我们在工厂生产的是化妆品，在商店出售的则是信心和希望。”
（文秘站整理）
一、电影服装设计自身所代表的文化含义
服装是人们生活的基本要素之一,也是一种文化传播的载体。最初用于保护身体、遮羞蔽体。随着生产力的发展和社会的进步,服装装饰和美化开始被重视原来简单的屏蔽效应修正功能已经从社会的实际内涵也发生了很大的变化。同时,服装已经不仅仅是人类生活的必需品,但作为一种文化遗产,深受儒家思想的影响,服装艺术民间暗示的含义和代表的政治意义,完美地体现出来。
二、影视人物造型所蕴含的服装信息
人物的身份,除了用言语和行动,以显示最重要的,但也是最直接的方式是依靠合适的衣服,视觉上的冲击,让人们观看电影和电视的时候,初步的印象。观众将很快就能服装信息,以确定人物的性格和角色的定位。
在电影版的《杜拉拉升职记》中,抛去精彩紧凑的剧情,最大的看点是由中外时尚团队合作打造的主角徐静蕾和有着“美丽时尚达人”称号的吴佩慈。吴佩慈以红色褶皱抹胸裙搭配黑色铆钉高跟凉鞋出现,大长腿的优势显而易见,很有“白骨精”的味道,让人觉得个性十足;而徐静蕾则是层叠上衣加上西裤外带鱼嘴高跟鞋的形象,既掩盖了比吴佩慈身材丰满的劣势,也显得比较低调,实用性很强,容易模仿。通过这样对比,影视中的角色形象更加丰满,也在不知不觉中,透露给观众一种微妙的时尚信息。
三、电影服装设计对人物性格的剖析与展示
四、电影服装设计对人物角色的塑造
电影和电视服装设计不仅需要设计师有良好的美学基础和绘画能力,更重要的是敏锐的观察力,高度的对人性的敏感和强烈的情绪生命的力量。斯坦利·库布里克曾经说过:“如果说,电影是虚构的,其实我觉得这是更喜欢音乐,它是一个情感和情绪化进程的推进。主题隐藏在背后的情感意义,最后出现”服装设计这是前进的一种无声的机器演员还没有说话的神神不知鬼不觉数字悄悄地呈现出来,然后再与跌宕起伏的剧情和角色的过程,反映自己的美丽和紧张感。
所以,如果他们中的人物,没有深入的分析理解能力的设计师设计的服装,无论多么美丽豪华的苍白。在《莎翁情史》中,女主角薇奥拉的服装就几乎和她的语言一样为我们清晰地描述了这样一个聪慧而勇敢的女人:她穿着那件像蜻蜓一样的彩虹褶皱纱和杏黄花缎的外衣;还有那件浅湖绿色的衣裙,看上去就是一位海底公主;唯有那件沉重暗淡的金色婚礼服,使她看上去僵硬呆滞,即使是那块很轻的头纱也不能减轻这件服装的重量。在整部电影中,薇奥拉的婚礼服装是唯一件看上去不对劲的衣服,但正是这种感觉使得它成了一件很搭的衣服。薇奥拉穿着它的时候,她所有的动作都变得很困难,她变得犹豫不决,踌躇不定,变得没有那么性感——令人窒息的绗缝紧身胸衣似乎是对她将来单调沉闷的生活的预兆,似乎是她为适应这种生活所必需要上的第一堂课。我们都知道,伊丽莎白时期,服装的整体造型是庞大夸张,在其中脱颖而出。
由于舞台服装要为舞台艺术服务,所以必须受到舞台艺术的制约,这也就决定了舞台服装的假定性必然会高于其实用性。令舞台艺术的受众能够从舞台艺术中联想到真实生活,并认同舞台艺术所表现出的内容,是舞台服装设计及舞台服装运用的重要目的之一,这就是舞台服装的假定性。人们心中的审美尺度会影响人们对艺术真实性的认知和认可,而假定性作为一种约定成俗的属性能够满足人们心中的审美尺度。总而言之,舞台服装在舞台效果的要求下必须要具有假定性,而在符合假定性的基础上实用性中的合身、便利、耐穿等都不再占据主导地位。
舞台服装设计与舞台其他艺术表现形式的关系
(一)舞台服装设计与化妆造型的关系
由于舞台服装设计与化妆造型都是为塑造角色外貌服务的,所以舞台服装设计与化妆造型是一个不可分割的整体,它们都能够通过直观的视觉效应来使观众感受到角色的内容,为角色的外部形象起到定位的作用。两者不同的是化妆造型在舞台艺术中难以做出改变,而舞台服装需要根据不同的场景做出不断的变换。无论如何,在舞台服装的设计中,重视与化妆造型的相辅相成应当是重要的原则之一。
(二)舞台服装设计与舞台美术的关系
舞台美术应当包括舞台服装设计,因为舞台服装能够塑造良好的舞台形象,为舞台艺术的受众提供更好的视觉享受,所以舞台服装设计应当属于舞台美术的范畴,但是舞台服装设计又与舞台的设计、灯光、道具、效果等各个部门在媒介语言方面存在着很大的差异,这是由各个部门的本质特征所决定的。要将舞台艺术做到相对完美,就必须实现舞台服装设计与舞台美术的相互融合与互补,在与道具、灯光等默契匹配的基础上保持舞台视觉形象的整体性。
(三)舞台服装设计与表演艺术的关系
舞台服装设计与表演艺术的体现载体都是演员,在舞台艺术中,舞台服装设计是否贴切也将影响表演艺术所能达到的高度。二者之间的关系主要体现在以下几个方面:一是舞台服装能够促使演员尽快进入角色。舞台服装作为演员的外部形象,能够折射出角色的特点及情感状态,所以通过对舞台服装的定位可以诱发演员去体验角色,从而促使演员能够更形象地表达角色的感觉;二是舞台服装设计需要与表演艺术互补。舞台服装设计是舞台角色的外在特征,而表演艺术需要演员通过表情、心理活动表现出来,所以这种表现手段的差异应当通过互补来达到完美的统一,这就要求设计者在服装设计中能够对角色进行正确的定位与把握。
现代舞台服装设计对传统舞台服装设计的传承与创新
(一)现代舞台服装设计对传统舞台服装设计的传承
现代服装设计对传统服装设计的传承主要体现在两个方面:一是对传统舞台服装设计构成样式的传承。在舞台服装设计中,坚持创新势必会带来发展,但是事实上舞台服装设计领域中的许多方面必须受到表演艺术形式的局限而不能随意做出改动。例如在一些传统的舞台戏曲表演中,舞台服装中的样式、花色等方面都是经历了很长时期的发展而固定下来的,也使受众形成了一种审美习惯,这也是许多老戏迷通过人物的服装就能辨别出角色的原因,所以这些具有“写意性”以及“符号性”的舞台服装应当继承而不能进行随意的创新;二是对传统服装设计审美观点的传承。同样是以传统戏曲为例,传统戏曲重视整体美与对比美,在舞台服装颜色上包括黑白对比、华素对比、同调对比和援例对比,这些色彩的运用十分独到并且对现代舞台服装设计仍旧具有很大的气势与借鉴作用。
(二)现代舞台服装设计对传统舞台服装设计的创新
现代舞台服装设计对传统舞台服装设计的创新主要体现在以下几个方面:一是观念的创新。随着文化交流的国际化,现代舞台服装设计逐渐体现出国际化是发展的必然趋势,在现代舞台服装设计中我们应当在传统舞台服装设计的基础上实现国际化,从而保留舞台服装设计的本土性与民族性,而无论是背离传统性还是国际化都是不符合现代舞台服装设计发展趋势的;二是科学技术的创新。现代舞台服装设计应当挖掘和发挥出传统舞台服装设计中所不具备的优势,随着科学技术的发展,舞台服装设计在服装造型、服装面料、服装制作的设备、服装的材质工艺、服装的装饰工艺等方面都具有了更多的选择,以科学技术为基础对现代舞台服装设计进行创新将使舞台服装设计成为科技发展的一个符号,使舞台服装设计具有更深的人文内涵。
现代舞台服装设计思路
(一)重视与角色形象和情感的结合
舞台服装的设计能够塑造出舞台角色的形象、体现出舞台角色的情感,也正因为如此,舞台服装设计由于受到舞台人物形象的局限,必须要表现出特定人物的特点,如通过服装的颜色来体现角色的情感变化,蓝色表现出角色的悲伤与忧郁;粉色来体现出角色的柔情;白色来衬托出角色的高贵和纯洁等,符合舞台角色的舞台服装设计能够成为一种传情的工具,通过给予观众视觉冲击来使观众体会到舞台艺术要表达的内容,所以重视舞台服装设计与角色形象和情感的结合,能够对舞台表达起到很大的推动作用。
(二)重视服装的统一与变化
舞台服装设计的统一能够使舞台艺术更加整齐与单纯,而舞台服装设计的变化则会使舞台艺术更加活泼,没有变化的舞台服装设计只会使舞台艺术显得过于呆板。所以舞台服装设计要重视统一与变化的结合,统一的准则是和谐,而变化的准则则是适度,只有和谐的统一才会给予观众更好的视觉享受,而适度的变化才能够实现与统一的互补,并且没有杂乱的感觉。
(三)突出服装的时代性
在一些传统的舞台艺术中,尊重传统的服装设计构成样式能够得到观众的认同,但是在一些具有现代感的舞台艺术如现代音乐剧中,服装设计应当体现出时代性的特点,即要具有时代感与时尚感,在这个过程中,可以对当前时装设计的原色做出借鉴,在角色衣着的风格中也可以适当地运用夸张来突出角色的个性化,从而加强观众对剧目发生背景的印象及对角色的印象。
(四)与现代科学技术的融合
将现代科学技术融入服装设计理念能够给予观众耳目一新的感觉,同时也能够使服装设计成为体现科技发展的一个符号,例如在2008年奥运会闭幕式中的铃衣舞就是利用现代科技进行服装设计的实例,铃衣舞采用许多银铃作为装饰,成为了服装设计的一大亮点,而与演员身上的灯带结合进行舞蹈可谓是有声有色,给观众带来了难忘的视觉享受,同时也为现代服装设计提供了更多的思路。
一、前言
20世纪初,在欧洲和美国相继出现了全面的、革命性的和彻底的现代艺术运动和现代主义设计运动,在艺术设计发展史上有着巨大的影响。现代艺术作为20世纪以来占主导地位的艺术形态,它的突出特征是在艺术形式上不再以写实的风格为主,而是体现艺术家个性的观念和形式语言,并且形成了许多艺术流派,一个时期以某种艺术流派为主导。二十世纪上半叶,最具代表性的现代艺术是立体主义。它颠覆了古典艺术"真"的原则,即彻底放弃了空间透视的方法。主要艺术家有毕加索。二战后至今,现代艺术主要是沿着达达主义的轨迹前行。它彻底否定了传统文化,是反艺术。主要艺术家杜尚。其影响一直到今天的信息时代。其它流派还有野兽派、未来派、抽象主义、超现实主义、波普艺术、照相写实主义等,都是从不同角度和层面对传统艺术不同程度的否定。
二、现代艺术对服装图案设计的影响
(一)抽象的几何纹样
抽象的几何纹样受抽象派画家观念的影响,以直觉和想象力为创作的出发点,仅将造形和色彩加以综合、组织在画面上,打破了绘画必须模仿自然的传统观念。二战以后,由抽象观念衍生的各种形式,成为二十世纪最流行、最具特色的艺术风格。
抽象绘画可分为两种类型,一种是通过对自然物的概括与提炼所创作的抽象绘画,带有浪漫色彩。另一种是用单纯的点、线、面、形体与色彩构成的抽象绘画,比较理性。这种艺术形式最具装饰性和图案特征。如荷兰风格派的主将蒙德里安的创作,他利用垂直水平结构和原色矩形色块的作品,简洁却蕴含着严谨而复杂的结构关系,虽是装饰性的,但具有深刻的哲理,使得许多人产生了精神共鸣。
服装设计师也直接采用了蒙德里安的语言,这种影响直到今天还存在着。抽象派美术对现代装饰艺术和图案艺术影响广泛,使得印花织物的纹样处理呈现崭新的特点,随意的抽象的几何纹样取实的精致的花卉纹样而广泛流行。
(二)平面构成纹样
平面构成纹样的产生源于包豪斯的构成理论,以点、线、面、体来高度概括复杂的事物,将几何形体进行理性的排列,构成新的艺术形像。这种平面构成纹样被广泛运用于染织图案中,并不断推陈出新。如男式衬衣的印花图案就是比较典型的平面构成纹样,以极小的几何图案重复并且有规律的进行排列,形成大面积的几何形态,不仅男士衬衫上会应用平面构成纹样,T-恤,领带,围巾等也有平面构成纹样的应用。
(三)欧普纹样
60年代以前,布料上的织纹图案仅限于苏格兰格纹、千鸟纹和人字纹等传统织纹。60年代,纺织和印染技术水平有所提高,再加上欧普纹样比较便于拷贝和复制,使得欧普纹样广泛应用于服饰品设计,掀起时尚界的革命。
因此,欧普纹样应用在服装、丝巾、领带等服饰品上会产生一种时尚前卫的着装效果。另外,欧普图案所产生的视觉错觉还能达到修饰、雕塑身材的目的。如07年秋冬季,以60年代为设计主轴的马克·雅各布斯、乔治·阿玛尼等设计师品牌,相继推出采用类似欧普艺术手法的服装。英国知名时装设计师亚历山大·麦奎恩、日本时装设计师川久保玲(CommedeGarcons)和纪凡希品牌以大小不同的黑白棋盘式格纹等。
(四)立体派纹样
立体主义开始于1906年,由乔治·布拉克与帕布洛·毕加索所建立。立体主义的艺术家追求碎裂、解析、重新组合的形式,形成分离的画面——以许多组合的碎片型态为艺术家们所要展现的目标。它追求一种几何形体的美,追求形式的排列组合所产生的美感,探索画面结构、空间、色彩和节奏的相互关系,在造型和表现上突破了时空限制。
立体派纹样应用于服装面料的印花设计中,使平面的布料仿佛具有立体感,赋予服饰品独特的美感,采用这些图案设计的服饰大有毕加索之风。这种纹样的融入使着装者洋溢着充满时尚的气质,在当时的欧美社会一度流行。
(五)野兽派的杜飞纹样
杜飞应用印象派和野兽派的写意手法,吸取马蒂斯绘画的装饰风格,线条质朴简洁,花卉图案形像夸张变形,人物动物相互交错,豪放粗犷,流畅自然,具有创造性、装饰性,后人把这种写意花卉图案称之为杜飞纹样。时装设计师利用杜飞纹样体现服饰设计作品的独特灵魂,体现一种自然美、野性美,利用流畅飘逸的线条结合服饰品的造型,生动而鲜活地突显出服饰的独特魅力。
(六)迪斯科纹样
三、现代艺术对服装材料设计的影响
四、现代艺术对服装廓形设计的影响
战争改变了原有的社会价值体系,也将19世纪浪漫主义风潮打破。现代西方服饰逐渐去除了大量不必要的装饰,越来越强调其功能性,服饰变得简单、实用。随着女权思想的逐渐成熟、普及,女装与男装之间的差异日渐缩小。随着20世纪下半叶年轻风潮的兴起和大众审美标准的变迁,服饰流行日益多元化、平民化。
1、20世纪20年代:永远的经典——可可·香奈儿“现代主义”设计师追求人与机器之间的一种和平共处,在追逐机械化、现代化的同时,女性的束缚也被逐渐解除。20世纪20年代,年轻的法国女时装设计师可可·香奈儿,以她简洁的日常服装、运动装、便服和度假服装,将女性从束缚中解放。她推出直线型男孩儿式的轮廓和新潮的短发,提倡背肩包与针织品套装,她把晚礼服“法定”的拖地长裙缩短到与白日服一样的长度,尽可能使造型朴素、单纯化,她教给人们如何用人工宝石来装饰自己,把服饰品的装饰作用提到首位。
她提供了具有解放意义的自由和选择,让女人也可以穿裤子将服装设计从男性观点为主的潮流转变成表现女性美感的自主舞台。香奈儿设计时装追求实用,推动了服装设计新概念,对现代女装的形成起着不可估量的历史作用。
2、20世纪30年代的服装廓形:斜裁女皇——玛德琳·维奥内特
20世纪30年代早期的光滑轮廓与"现代主义"秩序井然的线条相和谐,这可以在不少设计师的作品看到,如玛德琳·维奥内特的斜裁真丝缎子的紧身女装,巴斯博物馆两件藏品的其中一件是1934年的拖地长袍,裙子的上半身是蕾丝褶皱紧身胸衣、飘逸的绸缎轻盈地从肩上泻下,下半身是招牌式垂坠长裙,腰间饰以褶皱。
维奥内特的设计强调女性自然身体曲线,反对紧身衣等填充、雕塑女性身体轮廓的方式,有“裁缝师里的建筑师”、“斜裁女王”的称号。在大师一生的作品中,“古希腊女神式”的斜裁和皱褶垂坠连衣裙是她设计中的经典代表。她打破了之前打版制样的裁缝传统,而直接将布料或垂挂或缠绕在身体上进行裁剪,利用衣料的自然垂坠使得时装如第二层肌肤般轻盈飘逸,勾勒出女性流动的曲线和曼妙的体态,皱褶则是这种剪裁方式所衍生出的特有细节。
但这些最终都被更精心制作的轮廓所替代,到了这10年结束时强调肩部、掐腰和连身的裙子更加坚定了新浪漫主义设计倾向,并预示了战后“新外观”的出现。
3、20世纪中后期的服装廓形——迪奥
40年代后期到60年代前期,主宰巴黎的高级女装潮流的人是迪奥,他的设计与他丰富的艺术修养和让敏锐的艺术感觉是分部开的,1947年,考虑战时物质节制强加给服装业的简朴需要,迪奥推出的“花冠线条”轰动了时装界,被誉为“新风貌”。1952年,迪奥设计的三件套——羊毛夹克、线条简洁的帽子和柔软淡雅的结绸短裙,多年来一直成为时装设计的样板。迪奥设计的裙子,常在裙上打褶,或者用各种颜色的布镶拼;有时还缝上绢网,打造丰满感;各种各样的帽子侧戴头上,再配以硬高领的上装。接着又有了不对称裙子、O型、A型、Y型、H型、郁金香型等各种廓形的服装。他在巴黎时装界辛勤工作的10年里,巴黎女装从整体到细节都发生了耳目一新的变化他的线条设计和整体结构设计优美绝伦,几十年来一直影响着妇女和其他服装设计师们。
摘要：图案作为一种装饰元素在服装设计中得到了广泛运用，已经成为服装设计不可或缺的一部分，是服装美的重要体现。好图案的设计与选择可以掩饰形体的不足，也可以给人无限的遐想。
关键词：图案服装设计装饰元素情感表述文化差异应用
随着时代的发展和人们生活水平的提高，服装现在已经不仅仅是我们生活中的必需品，很多时候也是一种审美的需要，是地位的象征。我们通常设计服装会从三个方面着手：款式、色彩和面料，这三者相辅相成，缺一不可。但很多时候人们却忽略了图案在服装中的重要作用，这个现象与以往设计师设计完图案无法得以实现有关。但是随着科技的发展，印染技术的提高和数码喷印技术的出现，这个瓶颈问题已经得到了解决。细心的人们会发现近年来图案在服装设计中已经大行其道，成为一种流行趋势。那么，图案在服装设计中如何运用才能起到审美的作用呢？又有着怎样的情感表述呢？
图案作为一种装饰元素在现在人们看来已经司空见惯了。据史料记载，我国在春秋战国时代就已经有了凸版印花技术，到西汉时期已经达到了相当高的水平，到现在，圆网印花、平网印花、数码喷墨印花等印染技术已经普及，不光应用在服装上，已经遍及了每一个装饰角落。在服装上的应用主要体现在以下几个方面。
一、图案的应用形式及部位
服装设计中图案的装饰主要集中在领子、胸部、腰部、袖口和下摆等部位。
领子、袖口、门襟、衣摆和裙摆部位多以二方连续纹样装饰为主，并且多体现在套装上，但这也是相对而言。在领角和衣襟的摆角部位通常会使用角隅纹样，并且多是以对称形式体现，形成对称美。胸部、衣摆或裙摆的装饰，尤其是大的衣摆和裙摆通常会采用不规则的单独纹样，或是单独纹样进行散点式排列，在大小、疏密上形成不规则排列，给人以生动活泼的感觉。另外，运动装、t恤衫和童装等也会经常采用单独纹样进行装饰。童装中除了采用花卉图案表达甜美可爱，还会采用卡通图案造型赢得儿童喜爱，体现其童真活泼的感觉。
四方连续图案在我们服装或是家纺产品中应用广泛，但都是作为印染面料图案使用，多直接作为服装整体图案，而不是应用于某个局部。
二、图案与人体
另外条状图案也会给我们视错感，比如竖条图案会让我们觉得有向上的延伸感和挺拔感，横条图案会让我们觉得在左右方向上有拉伸感，利用这个错觉我们就可以给胖体型人设计竖条图案服装，让其有瘦高的挺拔感；相反对于过瘦的人体我们可以采用横条图案设计，不仅可以使形体显得丰满，还会产生活泼可爱的节奏感。设计师在设计之初就应该考虑这些，但服装设计不是一次性设计，作为穿着服装的消费者其实也是自己的设计师，通过选择与搭配完成服装的二次设计。
三、图案的情感表述与联想
大千世界中万事万物无论是以什么形态存在，只要用心去体会都能给人以无限遐想，色彩如此，图案亦是如此。大花型譬如牡丹之类给人以高贵、大气、华丽之感；玫瑰图案给人以浪漫感；小碎花型给人以田园感；格子图案给人以质朴感；波点、卡通图案给人以活泼感；传统图案给人以民族感；佩兹利、莫里斯等纹样给人以异域感；波普图案给人科幻感；动物毛皮图案给人以时尚感，其中也不乏野性之美，比如豹纹图案等等。
当然对于图案的联想表述还跟其色彩与面料有关，深色系的图案给人以沉重感；浅色系的图案给人以明快感；暖色系的图案给人以华丽感；冷色系的图案给人以沉静、质朴的感觉。带有光泽的面料让人感觉华丽，亚麻、棉布等就会让人感觉质朴。这些需要人们细心观察、真心体会才能够得
的情感语言，也是我们对美好生活的感悟。
四、图案的地域性文化差异
图案作为装饰元素尽管给人以美感，但是由于民风民俗以及各个民族文化宗教信仰的不同，对于图案的喜好也不同。
中国的很多传统图案不仅老百姓喜爱，也深受设计师们的青睐，不仅因为它们带有浓郁的东方特色，还因为很多图案带有吉祥的寓意，比如鲤鱼代表连年有余；松鹤代表延年益寿；喜鹊、梅花代表喜上眉梢；凤凰牡丹代表婚姻美好、荣华富贵等等。
因此，服装设计师不仅要了解本民族的文化与传统，只要是自己的设计对象就应该了解他们民族的风俗与习惯，这样才能打开市场，让自己的产品被接受。
服装设计师需要掌握的知识有很多，图案在服装设计中不是最重要的，但图案美是服装美的重要体现。因此，服装设计师必须很好地了解与把握。
总之，好的图案设计会给人以美感，能够恰到好处地应用于服装设计中去，图案美就会成为服装美的一部分，服装设计师应该很好地把握和应用。
论文关键词：满族服饰文化特征继承发展
论文摘要：本文从服饰的继承和发展两个方面论述了满族服饰在现代服装中所体现出的文化特征。满族服饰在现代服装中继承的文化特征主要包括中国服饰元素的象征、礼仪性表现、标志性特点、流行的体现等四个方面；满族服饰其发展的文化特征主要有阶级等级的消除、中西结合的创新等方面。
服饰是人类物质生活的重要组成部分，也是人类精神世界的物化形式，它以一种符号反映了一个民族在一定历史时期的政治、经济、文化、宗教信仰，同时也折射出一定历史时期民族之问的涵化、融合，民族服饰自身的传承、发展和创新。每一个民族都有自己独特的服饰文化，每个民族的生产方式、风俗习惯、宗教礼仪、地理环境、气候条件、艺术传统等等，无不折射到他们的衣冠服饰上。服饰不仅能展现出人类文明的全部，也是一种意蕴深厚的文化形态。
我国有56个民族，有多种多样的民族服饰，作为中国民族文化的组成部分之一的服饰文化，满族及其先世的民族服饰文化元素影响着整个中华民族服饰文化，其中众所周知的旗袍、坎肩、马褂等已被近、现代中国人接受并认可，并成为中华民族服饰的典型代表。满族和汉族的服饰在文化、礼仪等方面互相影响、互相吸收，呈现出民族服饰文化融合的特点。满族服饰元素已成为中国服饰乃至世界服饰文化的一个组成部分，体现了丰富的文化特征和时代特征。
一、满族服饰在现代服装中继承的文化特征
满族的民族服饰文化是文化变迁和绚丽多彩的中华民族服饰文化的重要组成部分。满族服饰不但继承了汉族在历史上衣着的长处，而且还把自己民族经历过检验、实践，证明既适合于生活需要、又有民族特色的东西保留了下来，它把继承、借用、创新，有机地融为一体，它是当代中国民族团结、民族融合、民族借鉴的重要内容之一。满族服饰的形成、发展和变迁，促进了满族的不断进步也为中国民族服饰之间相互影响、相互作用提供了实际的例证。满族服饰发展和变迁的轨迹对研究中国民族服饰之间的相互关系以及推进中国民族服饰文化的共同繁荣、对现代服装设计中传统民族服饰文化与流行时尚的结合等方面都有着非常重要的意义。经过长期的积累与沉淀，满族服装样式演变发展成为现今的旗袍，在现代生活中被广泛穿着，已成为现代中国女性的国服，成为中华民族女性服饰的象征，在现代服装中表现着丰富的文化特征。
(一)中国服饰元素的象征
满族服饰沿袭至今主要以立领、盘扣、开衩、龙凤等题材团花图案、立体圆扣等服饰元素体现在服饰中，这些服饰元素包括镶、嵌、滚、绣等变化丰富的装饰技法，已经成为“中国元素”的象征，应用这些元素的服装被界定为“中式服装”。
(二)礼仪性表现
开放政策使我国各行业对外交流活动el益频繁，出席各种外事活动时为了表明我们的身份，礼仪性服装则需要穿着中国特色的民族服饰，中式服装自然最为恰当，尤其是女性的旗袍；在百姓生活礼俗中，婚礼等场合穿着旗袍也成为一种习俗，尤其是新娘的礼服，大多是大红色龙凤团花镶金织锦的旗袍，象征富贵祥和、日子过得红红火火。
(三)标志性特点
国际问文化的传播带动文化产业与产品呈现标志性特点，医学、酒店、餐饮等都有中式和西式差别，相应的服务人员所着服饰也有着中式和西式风格区别。中式服装基本都以满族服饰元素体现其中式特点。
(四)流行的体现
因为政治、经济、文化等方面发生了大的变革或事件，从而会导致某种服饰流行。皮尔卡丹等世界级大师的中国风时装设计和世界首脑apic中国区上海会议的中式服装都使中国元素服饰火热流行。
二、满族服饰在现代服装中发展的文化特征
随着社会的发展、人类的进步和文化的交流，服饰式样、着装方式与服饰观念在发生着不断的变化，这种变化不是对旧的服饰文化的彻底否定，而是对旧式样的更新，对旧观念的进一步完善与充实，满族服饰的发展体现了旧文化的变革与新文化的融合。
(一)阶级等级的消除
清王朝的一般官员上朝时要穿补服(即官员的朝服)，体现了文官武将的等级差别，①补服就是在前后心处补一块有多处纹式的外褂，补子又分为圆补和方补，在补子上饰以各种鸟兽图案作为品级的徽识，清朝《会典》规定补服图案文武官员官阶不同。现代服饰中补子则没有了阶级意义，演变成补花图案，成为现代中式服装元素。
“龙、凤”图案表现了帝、王、后、妃至高无上的尊荣，在清朝时期，只有帝王与帝后的衣服上方可以绣上龙凤图案。随着社会的变革和发展，“龙、凤”图案已没有了阶级等级的限制，现代人认为龙凤是富贵权利的象征，所以现代中式服装中的团花图案题材很多还沿用龙凤图案，寄托了人们向往美好生活的希望。
(二)中西结合
现代西方服饰文化深刻地影响着中国人的着装观念和方式，中西合璧成为后现代主义的服饰文化特征，不是单纯地再现，主要是对沿袭的满族服饰的分解并与现代西方服饰元素重新组合，总体风貌建立在现代主义设计的构造基础之上，将传统的代表中国的满族服饰元素巧妙地和现代西式服装造型相结合，体现适体、简洁、轻松、自由的风格。
所谓现代中式服装设计主要从造型、面料、款式、色彩、装饰工艺等方面进行改良。国内设计的比较成功的有“木真了”、“玄色衣裳”、“阁兰绣”等品牌，既有时尚性又能展示浓郁的中国特色，具有很大的市场占有率。国外的皮尔·卡丹、伊夫·圣洛朗等设计师也曾运用这种设计手法设计了很多成功的作品；tomford在2004年为yslrivegauche所做的设计中，大量运用了龙的图案和中国旗袍的造型，并巧妙融入时尚气息，创造出典雅而前卫的新旗袍样式；johngalliano的设计，则运用立领、扣袢系结等，结合时尚元素设计的服装华贵、自由、洒脱而前卫。
目前，中式服装不但在中国流行，而且在世界上受到各国、各民族妇女们的欢迎，这是满族人民对中华民族和世界服饰文化的一大贡献。设计师要在文化精神的层面上把握东方文化的精神理念防止符号化、表面化②地组合中国满族服饰元素，比较东西方差异，提高知识修养和对文化历史的了解能力，使中国元素与现代流行和国际风格完美结合。
总之，满族服饰与现代中式服饰一脉相承，如果说满族服饰是工笔画，那么现代中式服装就是写意画。满族服饰对于中国服饰文化传承与发展具有重要意义，我们要努力搜集和弘扬满族的服饰文化，把中国的民族服饰文化发扬光大。21世纪，中国文化必将成为整个东方文化的主流，随着我国经济的进一步发展，人们对服装的需求将呈多元化趋势。如何在全球化的进程中，既保持本民族的主体文化特色，又能与世界其他国家和平融洽的相处，真正做到“文化自觉”，如何将传统和现代以及世界的服饰元素结合在一起，创造出具有民族特色的服饰，是我们这代人义不容辞的责任。
【论文关键词】传统图案装饰工艺服装材料服装款式
【论文摘要】传统图案是中华民族文化的宝贵财富，它随着全球范围内“中国风”服饰时尚风潮的愈演愈烈，而深受世界各国著名服装设计师的青睐，研究和探讨中国传统图案在服饰设计中具有重要意义。
中国传统图案经过千百年来的沉淀，形成了各种具有典型文化内涵的图形和纹饰，它凝聚了鲜明的中华民族特色与深厚的华夏文化内涵，它是民间、民族艺术和民俗文化千百年来沉淀的结果。
1中国传统图案的发展历程
早在几千年前的新石器时代，人们就在彩陶上运用纹样来装饰自己的生活。新石器年时代仰韶文化的精髓—彩陶，是中国古代文化的骄傲，它的纹样结构严谨，疏密适宜，色彩雄厚朴实，它主要反映的是原始人的渔猎生活，水是当时纹样常用的题材，水波纹、旋涡纹、重叠同心圆、弧形三角形都是从水的动态中摄取而来。此外，谷叶纹，斜叶纹是反映当时人们耕作生活的。
总之，随着时代的发展、物质条件及生活方式的改变，使图案表现形式更加丰富、多样。
2中国传统图案的特点
中国传统图案，承载着厚重的传统文化和内涵，无论是在纹样造型上，还是色彩上，无不体现出中国古人的审美设计倾向和思想内涵。它是构成古代灿烂的服饰文化的一个重要的组成部分。其具有四个艺术特征。
2.1图案题材丰富多样
中国传统图案题材广泛、丰富多样，它可以是客观存在的，人们在创造美的活动中，善于借助无情的山水、花鸟等，将其物化到本民族的图案中，寄托自己的情感，采用这种“移情”纹样，常用叙事形式的手法，使观者也觉得它遇有了情感和生命，并逐渐成为本民族图案的一大特色。也可能是人们主观想象的如龙凤等纹样。
2.2图案造型具有“写意”性
写意是一种精神，一种纵横观照，一种宇宙观，是相对于物质世界的一种存在。它不是客观，而是一种思维、思想和状态的存在，是主观化的客观存在，是精神而不是物质。中国的传统艺术观向来都是轻“实”重“意”的，在认识和理解客观物象的基础上，结合工艺的特点，以自身的理想、感情去刻画形象。传统图案留下了许多诸如“意境”、“意象”、“意趣”、“意绪”、“意在笔先”、“意在言外”等语言和思维的结晶。
2.3图案纹样具有“标识”性
2.4图案构成具有“寓意”化特征
中国传统图案极其讲究寓意，表达人们对美好生活的祈愿。如汉代植物图案中常见茱英纹，这是由于茱英是古时的祭品之一，有去灾辟邪的寓意。((龙凤呈祥》是很好看的一种图案。作为源远流长、蕴含丰富的文化现象，龙和凤都是中华民族的图章、徽记、标志和象征。如果将中华民族的传统文化符号按其功能效应的大小排个座次的话，龙无疑是要坐第一把交椅的，那么，第二位就该是凤了。神性的互补和对应，使龙和凤走到了一起，一个是众兽之君，一个是百鸟之王;一个变化飞腾而灵异，一个高雅美善而祥瑞;两者之间的美好的互助合作关系建立起来，便“龙飞凤舞”、“龙凤呈祥”了，中国传统纹样的吉祥寓意在明清图案中得到进一步的升华。
3古代传统图案在现代服装上的运用
任何一个优秀的传统图案，在它所处的历史时期都具有很强的时代感和前瞻性，是无数艺人与工匠多年的创作结晶，尤其是中国的传统图案，是历经几代或几十代工匠、艺人在前人的基础上不断提炼而成的。但随着国际化进程的加快，单纯优秀的传统文化已远远不能满足现代生活的需要。越来越多的设计师将传统图案引入到最时尚的设计中，中国儿千年的传统文化与底韵在服饰文化中得以展现得淋漓尽致，今天服饰中复古风潮的流行就是传统与现代碰撞的完美的体现。由于时装带有鲜明的时代个性，因此，复古的流行也决不会是简单的重复过去，而是以现代的形式予以新的包装和淦释，所以现代的服装设计不仅要体现传统的文化韵律，更要符合现代人的审美要求，我们要充分运用现代科技材料和技术手段，使传统纹样释放更加璀璨的光芒。
3.1传统图案与现代工艺手法的结合
在过去，传统纹样多以手工刺绣的形式表现在服装中，而今科技高度发展，各种新设备、新仪器、新工艺层出不穷，人们所追求的是一种高速度、高品位、单纯优质的生活方式，人们的审美观也较过去有了很大的改变。在过去，龙凤纹样是皇家的专属，装饰手法也以刺绣为主;而现在，除了在晚礼服中常用外，其工艺手法也有了很大的变化，可以是传统的刺绣与珠绣结合，也可以是直接印染，甚至可以做雕花镂空处理。
3.2弱化传统图案的寓意，注重其形式美感
中国传统图案讲求寓意，而在现代服装设计中完全可以弱化其寓意，只追求其形式美感，服装上的龙凤纹样已不再是权力的象征，而是折射出一种中华民族精神的光芒与生命力，是民族文化的体现与升华。如在一个多袋的休闲裤中绣上龙纹样，既增添了裤子的文化内涵，又展现了它的时尚感与休闲感。
3.3传统图案样与现代材料的结合
只有将传统纹样的各类题材同现代各类织物的质感和色彩恰当地结合，才可发挥出异于一般纹样的造型效果，才能为时装的意境塑造增光添彩，达到完美的艺术境界。传统纹样不仅应用在绸缎、棉麻等常规面料中，而且常常在新材料，如现代皮革等材料中广泛运用。
3.4传统图案与现代服装款式结合
传统的图案是中国服装文化的出新之处，其相对的独立性使它们可以大量地移植到现代服装中去，但是，在运用的过程中我们一定要注意，传统图案只有与具有现代时装款式造型的服装结合在一起才更符合现代人的审美需求，要注重传统元素与现代时尚元素的有机结合，展示传统纹样与现代审美意识结合所产生的意蕴。
3.5古今结合、中西合璧，揉合时空创造新机
中国传统纹样对于现代快节奏的生活方式往往显得过于繁杂，所以，在应用时必须加以简化，可以保留图纹的古意，在设计过程中，我们需要“宜男百草，吉庆(馨)有余(鱼)”的吉祥意境，但要放弃满地花的纷繁格式。古纹样历经年代的粹炼，具有典雅的风格与深度的内涵，它蕴含着先人们的无限巧思，如能将其图形精神维持，另透过现代设计观念，予以精简图形，保留原创的部分，必然呈现新的面貌。同时将传统的图案装饰手法与西方的图案装饰手法，巧妙地融合在一起，兼容并蓄，自成一格，自然呈现另类新意。
论文关键词：服装设计教育实践就业
论文摘要：本文分析了服装设计专业教育在当前服装行业中的重要性。服装设计专业教育各门课程合理设置，学生才能得到综合性培养。教师应该安排好学生的课堂学习与实践，分析现在企业和学生就业的客观情况，指导学生以正确的心态面对就业面对社会。
服装设计是综合性的美学设计，它的基本构成要素与穿着关系着人的心态、心理、品味等，以及服装的外形、色彩、材料、工艺甚至是社会文化、经济等潮流。服装设计既具有审美性，又具有实用性、经济性、独创性等多个方面的综合性，它属于设计美学的范畴。
从古至今，服装就是人类生存的必需品，是人们追求美好生活的装饰品，也是人们扮演角色的重要工具，同时还是一种流通的商品。特别是后者的壮大，使服装在当代世界经济发展中成为重要的一部分。
在新的世纪里，服装市场不断壮大发展，服装企业必须对市场作出快速的反应，缩短商品周期，降低库存，环保意识的增强。在这复杂的环境中，设计师要以清醒的头脑，镇定的姿态，敏锐的目光，为企业产品导航。正因如此，设计师这一职位的竞争日益激烈，服装企业对设计师的要求更加严格，服装设计教育则成了重要的后备力量。而如何培养一个迅速适应市场的设计人才，是服装设计专业教育的主要课题。
一
在服装设计专业教育中，各门课程的设置关系到学生对专业的认识、理解、掌握，以及毕业之后适应市场的能力。大学的课时基本上是固定的，在这固定的课时内怎么安排学生的学习内容是我们要考虑的。
首先是基础知识的把握。服装设计专业应该掌握中外服装发展历程、服装人体工程学、服装结构学、服装工艺学服装材料学、服装色彩的搭配及摄影基础等基本知识。例如，在服装发展史中，把握各个民族在不同历史时期的服装特点；在服装的结构中，了解人体结构特征，线条的运用；在服装材料中，了解不同面料的缩水、缩热、保暖、吸湿等性能；在色彩中，掌握服装色彩的搭配方法，不同区域人们对色彩的尊崇和厌恶，等等。只有这些知识丰富了，才能够充分表现设计灵感。手头能力的练习也是基础知识中的一个重要环节，工艺课开设和绘画课开设加强了对学生手头能力的锻炼。
其次是创造性思维的开发。在第二个阶段课程设置时，在基础知识的层次上锻炼学生的创造性思维，像服装结构变换应用中分割线和省道的处理、服装面料中面料再造艺术等方面的内容，而这样的内容要结合立体裁剪这样创造空间比较大的课程进行，使学生将基础的知识通过自己的想法进行加工，自然地延伸，完成设计。
再次，在后期教育阶段应该在创造性思维的基础上，加入一些市场化的内容，让学生了解自己在市场上所处的位置，能力的优缺点，市场对于设计师的要求和对于设计师产品的标准。如服装商品学、服装心理学、服装卫生学、服装人体工程学、服装企业管理学及服装各种软件等课程的内容。
最后，在这些课程的教学过程中，还要不断培养学生的养成教育。设计师是一种相对比较独立的职业，也是一种责任。从一定意义上来说，设计师的水平对于企业有决定作用，而设计师的素养对其作品又有着不可估量的作用，因此从学生阶段就应该抓起，使学生不断提高自身的人文知识和素养，如政治、历史、哲学等学科，看起来和服装设计的关联并不大，但它们是几乎所有文化表象的底蕴和本源。服装设计作为文化的载体，本身也是文化的组成部分。
“设计师除了掌握服装方面的设计理论知识，还要对艺术史论、美学、中外服装史、艺术概念，甚至包括非本专业领域的其他艺术或设计内容，如雕塑、建筑、音乐、舞蹈、文学等知识有所了解有所涉及。俗话说，他山之石可以攻玉，各门艺术的基本原理和规律是相同的，可以相互启发借鉴”。［1］
二
“大学生社会实践能力指大学生在有目的、有针对性地参加社会实践活动的过程中，了解社会、研究社会、主动参与社会生活和社会建设的能力。它服从于社会对大学生素质的总体期望和要求，具有未来指向性，即大学生社会实践能力的形成过程，是他们为未来工作、学习和社会做准备的过程”。［2］
着眼于信息化社会，知识经济时代，以及二十一世纪中国社会发展对人才的要求，我们在对学生进行专业知识培养的同时，也要加强其综合能力的锻炼。教师要给学生充分的创作空间，并提供最新服装专业知识信息和服装市场信息，面对众多竞争对手，让学生有对知识和信息加工处理的能力，还要学会发现问题、分析问题并解决问题。
社会实践活动其本质就是社会交往中人际关系的处理，因此交往能力也是学生实践的重要组成部分。在实践过程中，要遵循学生是主体，教师是支持者的原则，充分发挥学生的主观能动性。老师必须深刻认识到自己在学生实践过程中的作用，做好向导和助手。不仅要指导他们运用所学理论知识解决实际问题，了解社会、服务社会，而且要让学生从中明白做人的道理，发现自己的价值。
三
作为教师，欲正人，先正己。教师这一角色甚至可以决定学生是否有能力适应社会；而学生的表现也反映着教师的教学方法是否行得通。特别是现在很多艺术专业中，教师是刚毕业的“80后”，学生也在“80后”到“90后”的阶段，年龄相差甚少。年轻教师的教学经验有限，现在学生性格多样性，年轻人与年轻人的碰撞，问题自然多。
在艺术设计专业中，基本上都是小课，每个班的学生不是很多，老师应该尽量了解每一个学生的习惯和兴趣。兴趣是最好的老师，根据学生不同的兴趣，制定不同的教学方法，特别是有些性格怪癖的学生，要耐心地进行沟通，和学生一起学习，并在此过程中给学生解决问题，从而既丰富了自己，积累了经验，又把学生带领到正确的道路上来。
四
服装设计专业教育和服装企业是现代服装产业链上两个密不可分的环节。在服装企业纷纷走品牌道路的今天，现代服装产业特征之一是服装产业链的各个环节的运作都围绕提升品牌价值进行，服装企业是服装品牌运作的执行者，院校是提供维系服装产业运转人才的制造者。
在供大于求的今天，学生毕业所面对的问题太多。服装业还处在一个不太成熟的时期，服装企业从节约成本出发，多选择偏僻的地方落址，规模也不太大。学生刚毕业时多憧憬着去大公司就职，现实和理想的差距给他们第一个落差。对于新手，服装公司总是先安排做一些打杂、剪样板之类的事情，这些小事淹没了学生要做设计师的愿望，这是第二落差；千元左右的工资，除去每月开销基本就没有剩余，有的企业工资要拖后几个月才发，这和每年万余元学费之间的巨大差距形成第三落差。
这样，在一种浮躁和急功近利的心理作用下，一些学生不愿从最基本的小事做起，总期待着有朝一日会到大公司就职；而平日安逸的环境让一些学生养成了自私的性格，不会正确处理人际关系，在要求完成的项目中，缺乏自我牺牲的合作精神和沟通能力，在付出与得到之间不能平衡，付出就认为自己吃亏，别人占便宜。一些学生觉得企业档次不高、条件苛刻、薪水太低，去一次就不想再去。这些使得企业形成了对服装院校学生的一种偏见，觉得现在的大学生眼界高、资格硬，而学生设计的东西又不理想，在接纳了第一批新人之后就不愿再接纳。
针对以上这些情况，教师应不断更新、调整教学方法和内容，避免一本备课笔记讲到老的情况出现。
总之，老师不仅要安排好学生的学习和实践，而且要注重自身的修养，给学生正确的指导，才能有效地培养出实用型的服装设计人才。
论文关键词:高职；服装设计；教育体系
论文摘要:进入新世纪，服装产业已逐步在工业化技术的基础上发展，数字化、智能化技术正在悄然进驻到蓬勃发展的服装产业中，服装是以科技为依托，以美学为规范，以肢体语言为形态，以市场价值创造为目的。那么我们在确定服装设计教育办学方向，明确办学思路上，必须充分了解目前服装行业的现状以及服装行业发展趋势。
服装教育也要与时俱进，紧跟飞速发展的服装产业变化、绝不能闭门造车、纸上谈兵使服装设计教育体系，与服装产业发展以及市场脱轨。
走“产、学、研”相结合的道路，通过“产、学、研”逐步形成具有高职高专院校服装设计教育体系，特色化的发展思路，所谓特色就是优势，特色因体现出“人无我有、人有我优、人优我精”的独特风格，作为高职高专服装设计教育，应立足于“技术与设计并重”走一条特色服装设计教育发展之路，逐步形成特有的“学院与市场”的办学特色，“技术与艺术”的教学特色，“设计师与企业家”的育人特色，“传统与国际”的发展特色。
一、将崭新的教学理念贯穿于教学始终
必须在社会需求及服装产业发展的基础上，逐步完善更新学科，完善更新教学内容和教学方法。服装市场和服装行业对人才的需求，即是培养人才的方向和目标，现代的服装设计教育与未来的人才关系，爱德华牛顿曾有过精辟的论述：“服装产业是一种‘今天’的事业，‘今天’的人穿什么衣服就做什么卖什么就可以了，而教育则是‘明天’的事业，他左右着这个国家未来的产业发展方向，并最终决定其在世界的地位。”在这段论述讲述了教育具有前瞻性、长期性、重要性之外，还说明了设计教育与人才质量、设计教育与企业发展乃至国家未来地位的重要性，所以我们要摈弃以往“大统一、大而全”的服装教育模式，这种服装教育模式所显现的突出问题就是学不致用，学生一旦走入社会适应性、实用性较差，他们在专业上好像什么都懂，却什么都不能胜任。这种较长且痛苦的磨合期，使学生面临的选择不是跳槽就是改行。归其根本就是现有的教育模式以呈现出“僵化”，服装教育体系远远不能适应对服装产业、服装市场灵活多变、多层次、多方面、多类型、有特点的人才需求，所以对教学内容（专业设置）必须不断的进行及时更新、调查和修正。这也是服装产业和服装专业自身的属性和特性所决定的。
对专业设置应该突出针对性、专业性、科学性、避免大而全、力求精而专，设置的重点应是智能、技能及创性能力的培养，开拓学生的应用及动手能力。服装教育应与学生为本，以学生未来的生存和发展为本，积极地探索和解决教育与实践的脱节、教育与市场的脱节，打破固有模式，在学科的交叉和更新，在社会实践方式的选择等方面，重新进行优化组合。
二、服装教育的市场化之路
从开办服装专业以来，我们高等服装教育，为社会、为企业输送了许多人才，但许多企业仍在疾呼，服装真正人才的需求太难，让人可悲的是现在的毕业生连市场的基本概念都不清楚，更让人遗憾的是一些学生，甚至还自我陶醉在单纯的“艺术设计”迷恋中不能自拔，他们崇尚艺术，鄙视技术，不清楚设计与产品的关系，不关心市场对设计的需求和内涵，在加之学院和社会结合上的误导，使学生们只热衷于毫无目的的行空大赛和纸上谈兵，缺少动手能力更没有市场意识，这样的人才培养智能是扭曲的，不合格的，作为高职高专院校更应及时对现在服装设计专业作出调整，特别是在教育的方向和定位上，一定要坚决的向实用性上转移，充分的突出服装技术的掌握和技能的应用，改变我们在服装教育上的偏差和教学结构上的不合理。在服装教育中共性是基础、个性风格，没有基础谈何风格，同时服装也不是纯艺术，它是实实在在的商品，现在服装院校有相当一部分学生重设计轻工艺，他们误认为服装设计才是“阳春白雪”而工艺并未得到应有的尊重和认可，高职高专院校服装教育应与企业、市场并轨衔接，真正的面向市场，走学以致用的办学渠道。
三、师资结构的调整
高职高专院校服装专业的教师不仅要有一定的学术水平，更需要有较强的实践能力，他不仅是一名教师，还更是服装产业的实践者、职业人、或开拓者，这是新时期服装教育的需要，也是时代的需要，所以我们要把服装行业的名师战略引入高校，形成名师效应，在整个服装教育中，既有教授又有名师，这样就形成了特色而具有鲜活力，特色往往产生于特色的人才之中，同时让我们服装专业的教师努力走向产业、走向市场、走向品牌、融入社会、打造自我、实现自我。将社会需求、市场需求、产业目标和项目带回院校、搬进课堂、融入教学之中，使校园与校外、课本与实际有机的结合。教师利用暑期停岗实践，不断地更新自己的知识和技能努力扩展自己的视野，所以极具特征的教师队伍，名师群体，对我们高职高专服装设计教育体系的进一步修正、完善和更新十分重要。
部级期刊?月刊
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